Hoy cumplen años los bajistas Rob “Blasko” Nicholson y Russ Parrish (Satchel) y se recuerda el fallecimiento de Freddie Mercury y Eric Carr; además se editan álbumes clave como el recopilatorio de versiones «Garage Inc.» de Metallica y el directo «Live on Two Legs» de Pearl Jam, Iron Maiden publica el sencillo «Rainmaker» y Manowar lanza su documental en DVD «The Day the Earth Shook: The Absolute Power», entre otros acontecimientos.

La llegada de Howlin’ Wolf al Reino Unido

En 1961 el bluesman Howlin’ Wolf llegó a Londres para su primera gira por el Reino Unido. El músico, creador de clásicos como “Smokestack Lightning”, “Spoonful” o “Back Door Man”, grabó para Chess Records en Chicago y colaboró con Muddy Waters. Su influencia fue decisiva para músicos británicos como Eric Clapton, The Rolling Stones y Led Zeppelin, que versionaron sus canciones e introdujeron el blues eléctrico en el rock.

John Squire, guitarrista de The Stone Roses

El 24 de noviembre de 1962 nació John Squire, guitarrista de The Stone Roses. La banda mancuniana se convirtió en referencia del rock alternativo británico gracias a su álbum homónimo de 1989, que influyó en muchas formaciones posteriores. Canciones como “I Wanna Be Adored” o “She Bangs the Drums” destacan el estilo melódico y las líneas de guitarra de Squire. Tras la separación del grupo a mediados de los 90, formó The Seahorses y siguió vinculando su nombre a la escena indie.

24 de noviembre de 1969, nace Rob Nicholson, mejor conocido como Blasko.

Es un bajista de Heavy metal conocido por su trabajo en Rob Zombie y Ozzy Osbourne. 

Robert Nicholson, más conocido como Blasko (Los Ángeles, California, Estados Unidos, 24 de noviembre de 1969), es un bajista de heavy metal y metal alternativo. Fue influenciado por bandas como Iron Maiden, Motörhead y Corrosion of Conformity. A pesar de tener una larga trayectoria en varias bandas, es mayormente conocido por su trabajo en Rob Zombie y Ozzy Osbourne.

En sus primeros años como músico, Rob tocó diferentes instrumentos, comenzando con la batería, la guitarra y finalmente el bajo. En 1984 empezó su carrera tocando en la banda de Santa Mónica (California) de Crossover thrash, Cryptic Slaughter grabando el demo Life in Grave(1985) y sus 3 primeros álbumes de estudio: Convicted(1986), Money Talks(1986) y Stream of Consciousness(1988). Luego se convirtió en la voz líder de la banda de Death metal «Killing Spree» y más tarde haría lo propio en «Suffer». Buscando otros intereses musicales, Rob se unió a la banda de Rock Alternativo «Drown», que dejó rápidamente para tocar el bajo en Prong, en donde no logró grabar ningún disco. En septiembre de 1997 se incorporó a Danzig sin embargo, tampoco participó en ningún álbum, dejando la agrupación en abril de 1998. Unos meses más tarde fue contratado por Rob Zombie para tocar el bajo en su primer disco como solista, desde ese momento comenzó a usar el sobrenombre «Blasko» y al mismo tiempo a afamar su carrera. Rob participó en todos los álbumes de Rob Zombie (excluyendo Hellbilly Deluxe  que fue lanzado el 2 de febrero de 2010). En el 2003 reemplazó a Robert Trujillo como el bajista de Ozzy Osbourne para participar en el «Fall Tour«, el cual fue cancelado debido a un accidente de la ATV en el que Ozzy estuvo involucrado. Entre los Ozzfest del 2004 y 2006 Ozzy se mantuvo tocando con Black Sabbath, por lo tanto Blasko hizo lo mismo permaneciendo con Rob Zombie. Durante el 2005 mientras Zombie trabajaba en el film The Devil’s Rejects, Rob comenzó con un nuevo proyecto con John Coffin en la guitarra líder, Daniel Gray en la voz y la guitarra rítmica, DC en la batería y obviamente Blasko en el bajo. Este proyecto fue llamado The Death Riders cuyo primer álbum «Depression» fue realizado por Horror High en 2005. A pesar de que Rob participó en algunos conciertos durante el 2006 pasó a ser un miembro oficial de la banda de Ozzy el 22 de mayo de 2007 con el lanzamiento de Black Rain (su noveno disco de estudio). Blasko tocó en todos los conciertos de la banda durante ese año, incluyendo el Ozzfest 2007, las giras por Europa y un tour americano con Rob Zombie. En octubre de 2009 interpretó la canción «Crazy Train» con la banda de Heavy Metal Satírico Taintstick, realizó la banda sonora para la película Repo! The Genetic Opera y lanzó su propia línea de ropa «Affliction Blasko Signature Series». En el 2010 volvió a trabajar con Ozzy en su nuevo álbum Scream lanzado en diferentes regiones del mundo entre el 11 y el 22 de junio. Desde mediados del 2009 Blasko trabaja en el segundo disco de The Dead Riders titulado «And Then Came The Rain…«. Además es uno de los personajes del libro «Sex Tips from Rock Stars«​ de Paul Miles publicado por «Omnibus Press» en julio de 2010.

Desde 2018 hasta la actualidad ha estado acompañando a Ozzy Osbourne en su No More Tours II, la gira final del legendario vocalista.

24 de noviembre de 1970, nace Russ Parrish, de nombre artístico Satchel, conocido por ser guitarrista de Steel Panther.

Russell John Parrish (nacido el 24 de noviembre de 1970), más conocido como Satchel, es un músico y compositor estadounidense. Es guitarrista de la banda cómica de glam metal Steel Panther.

Después de graduarse, Parrish se convirtió en instructor a principios de la década de 1990 mientras tocaba con la rama de Racer X Bad Dog con el vocalista Jeff Martin y The Electric Fence con Martin en la batería y Paul Gilbert alternando guitarra y bajo. Cuando Paul Gilbert se unió a Mr. Big, Parrish alquiló una habitación en la casa de Gilbert en Los Ángeles y cuidó de él cuando Gilbert salía de gira, simultáneamente grabando demos en el estudio de la casa de Gilbert. Ha trabajado extensamente con Gilbert y ha escrito créditos en varias pistas de Paul Gilbert. Se ve a Parrish tocando el bajo (junto a Jeff Martin en la batería) en la sección de afinación del video «Terrifying Guitar Trip» de Gilbert.

Tocó la guitarra para la banda de Jeff Pilson, War & Peace, apareciendo en el álbum Time Capsule, una colección de demos lanzadas por Shrapnel Records. Después de la ruptura de War & Peace, Parrish estaba tocando en una banda de covers de Thin Lizzy cuando Jeff Martin le presentó al cantante de Judas Priest, Rob Halford, lo que resultó en que Parrish se uniera a la banda de Halford Fight y grabara el álbum War of Words.

Al salir de Fight se unió a Outta The Blue de Cleveland, una banda de glam metal local que cerró su show con versiones de Racer X, y que luego se convirtió en The Szuters. En 1995, Parrish tocó la guitarra en la banda de gira de Kevin Gilbert en apoyo del álbum Thud de Gilbert. Se le puede ver actuando con Gilbert en Welcome to Joytown – Thud Live at the Troubadour, un DVD y CD lanzado en 2009, que documenta el concierto de la banda en 1995 en The Troubador en Los Ángeles. En 1996, Parrish tocó la guitarra con Sebastian Bach en la canción «Rock Bottom» para un álbum tributo a Ace Frehley, Spacewalk (A Salute to Ace Frehley). De 2002 a 2006, también tocó la guitarra en una banda tributo a Van Halen con el futuro compañero de banda de Steel Panther, Ralph Saenz, alias (Michael Starr) llamado The Atomic Punks. Casi al mismo tiempo, estaba en una banda de covers de Rush llamada Moving Pictures con el baterista de Atomic Punks, Scott Patterson. A principios de la década de 2000, era el líder de su propia banda, The Thornbirds, con Darren Leader (futuro baterista de Steel Panther Stix Zadinia), Jeff Duncan y el ocasional compositor de Steel Panther, Dean Cameron.

En 2000, Parrish tocaba simultáneamente en varias bandas y actuaba en la producción «Rockalypse Now», una obra escrita por Dean Cameron. Alrededor de este tiempo, él y Ralph Saenz comenzaron la banda de covers de glam metal Metal Shop como los personajes Rikki Ratchet y Michael Diamond, respectivamente, y aparecieron en un comercial de cartas de Discover como «Danger Kitty», una banda ficticia de un solo éxito que gasta todo su dinero de regalías en la opulencia y quiebra. En 2003, Metal Shop (ahora rebautizado como Metal Skool) lanzó su álbum debut, Hole Patrol, y comenzó a incorporar canciones originales en sus sets en vivo. La formación «clásica» de Steel Panther también se consolidó en este punto, con Lexxi Foxx (nombre real Travis Haley) en el bajo y Stix Zadinia (nombre real Darren Leader) en la batería, y los alias de Rikki Ratchet y Michael Diamond fueron reemplazados por Satchel. y Michael Starr, respectivamente. Seis años más tarde, la banda cambió su nombre a Steel Panther y lanzó su primer álbum con el nombre, titulado Feel the Steel. Han tenido éxito en todo el mundo, con numerosos fanáticos famosos y con entradas agotadas en estadios y festivales, incluido el Download Festival en el Reino Unido.

Parrish también apareció con Corey Taylor en el álbum tributo a Ronnie James Dio titulado «This Is Your Life» en la pista Rainbow in the Dark.

El adiós a Freddie Mercury

El 24 de noviembre de 1991 falleció Freddie Mercury, vocalista y pianista de la banda británica Queen, dejando un legado imborrable en la historia del rock. Nacido Farrokh Bulsara el 5 de septiembre de 1946 en Stone Town, Zanzíbar, su infancia se desarrolló entre la isla y Bombay antes de establecerse en Inglaterra. Desde joven mostró una voz potente y una creatividad innata, lo que lo impulsó a estudiar arte y diseño antes de dedicar su vida por completo a la música.

Con Queen, Freddie construyó una carrera que combinó virtuosismo vocal, teatralidad escénica y una capacidad para atravesar géneros con naturalidad. Su registro vocal abarcaba más de cuatro octavas, y su presencia en el escenario era imponente, tan pródiga en humildad como en grandilocuencia. Fue autor o coautor de algunos de los himnos más célebres del rock, como “Bohemian Rhapsody”, “We Are the Champions” o “Don’t Stop Me Now”, gracias a los cuales la banda alcanzó un éxito global.

Además de su talento vocal, Mercury dominaba el piano y tenía una sensibilidad musical sorprendente: compuso desde baladas sencillas hasta piezas complejas, alternó estilos como el rock & roll, el gospel, el heavy, la ópera o la música pop sin traicionar su identidad. Esta versatilidad lo convirtió en un referente para generaciones de músicos que buscaban ir más allá del formato convencional. Su voz, su piano y su sentido del espectáculo se volvieron inseparables del nombre Queen.

A finales de los años ochenta, el tema de su salud comenzó a generar rumores: la ausencia de gira de Queen tras 1986, su transformación física y su retirada progresiva del foco mediático hicieron crecer la expectación. En 1987 fue diagnosticado con el virus VIH, aunque prefirió mantener la noticia en privado por mucho tiempo. Esta decisión guardó una coherencia con su forma de afrontar la vida con intensidad y discreción a partes iguales.

El 23 de noviembre de 1991, Mercury hizo público que padecía sida, en un comunicado breve pero trascendental. Al día siguiente, el 24 de noviembre, falleció en su domicilio de Kensington, Londres, a la edad de 45 años, víctima de una bronconeumonía derivada de las complicaciones de la enfermedad. Su muerte sacudió al mundo del rock, que perdió a uno de sus talentos más excepcionales justo cuando todavía estaba en plena plenitud creativa.

Tras su muerte, su legado se proyectó con aún mayor fuerza. Queen publicó póstumamente el álbum Made in Heavenen 1995, con grabaciones finales en las que Mercury participó aunque ya enfermo. Se erigieron monumentos, se organizaron conciertos benéficos y se consolidó su imagen como uno de los grandes front-men de la historia del rock. Su nombre se convirtió en símbolo no sólo de la música sino también de la lucha contra el estigma del sida.

Para la escena del rock y el metal, Freddie Mercury sigue siendo un faro de inspiración: su modo de entender el espectáculo, su combinación de virtuosismo, teatralidad y autenticidad, y su valentía creativa resonaron especialmente en vocalistas de metal melódico, operático o progresivo que vieron en él un camino abierto. Su legado desafía el paso del tiempo: su voz sigue emocionando, su presencia sigue motivando, y su historia sigue enseñando.

Su adiós supuso un antes y un después en la cultura musical: dejó el escenario, pero su legado persistió en millones de discos vendidos, en la presencia continua de Queen en set-lists de conciertos y en la memoria colectiva. Para quienes buscan en el rock algo más que volumen, Mercury mostró que la grandeza puede contener profundidad, que el virtuosismo puede ser popular y que la diferencia puede brillar sin perder el pulso del corazón.

Eric Carr, baterista de Kiss

El 24 de noviembre de 1991, el rock perdió a uno de sus bateristas más potentes y comprometidos: Eric Carr, cuyo nombre real era Paul Charles Caravello. Natural de Brooklyn (Nueva York) y nacido el 12 de julio de 1950, Carr se incorporó a Kiss en otoño de 1980 tras la salida de Peter Criss, adoptando la identidad escénica del “Fox”. Su llegada marcó un nuevo capítulo en la trayectoria de la banda, aportando un sonido más duro y directo que correspondía con la evolución del hard rock de los años ochenta.

En escenario, Carr no solo cumplía su rol como baterista, sino que también participaba en coros, tocaba guitarra o bajo en sus propias grabaciones, y ofrecía una energía que revitalizó a Kiss cuando atravesaba una fase de agotamiento comercial. Su estilo de batería era contundente y con énfasis en la caja resonante, lo que contribuyó a que la banda recuperara empuje. Grabó con Kiss una serie de álbumes clave en esa década y formó parte de la estética renovada del grupo.

La vida personal y profesional de Carr dio un giro dramático a comienzos de 1991. En febrero empezó a mostrar síntomas preocupantes y pocos meses después fue diagnosticado con un tumor maligno en el corazón, que se extendió a los pulmones. A pesar de los tratamientos, cirugías y terapias intensivas, Carr empujó para volver a escena. En julio de 1991 participó, ya muy debilitado, en el videoclip de «God Gave Rock ‘n’ Roll to You II», llevando peluca por los efectos de la quimioterapia. Era su última presencia pública con la banda.

El tratamiento continuó, pero en septiembre de 1991 asistió a los MTV Video Music Awards aún convaleciente. Apenas dos meses después, y tras sufrir un aneurisma seguido de una hemorragia cerebral asociada al cáncer, Eric Carr perdió la vida en Nueva York a los 41 años. Coincidentemente, y de manera dolorosa, murió el mismo día que Freddie Mercury, lo que eclipsó en buena medida la cobertura mediática de su partida.

La muerte de Carr generó un profundo impacto en Kiss y entre sus seguidores, aunque con ciertos matices: la banda dedicó el álbum Revenge (1992) a su memoria, incluyendo una pista instrumental que él había grabado, “Carr Jam 1981”. Sus compañeros reconocieron posteriormente que su energía y profesionalidad fueron fundamentales para el sonido de Kiss en los ochenta, más de lo que en aquel momento se reconoció públicamente.

Desde el punto de vista de su legado, Eric Carr permanece como un referente de la transición del hard rock hacia un sonido aún más heavy-metalizado en Kiss, y en su persona se conjuga la entrega artística con la vulnerabilidad humana. Para muchos fans sigue siendo “el Fox” que tocó con devoción, incluso frente a la enfermedad, y su memoria está viva en las recopilaciones, versiones en directo y el cariño que los seguidores de Kiss le guardan.

En resumen, el 24 de noviembre marca el adiós de un músico que abrazó el destroyer make-up y el bombo potente, que elevó su instrumento al nivel de protagonista y que, a pesar de no ser miembro fundador, se hizo imprescindible. Su vigencia tras su muerte demuestra que más allá del maquillaje, su golpe de caja sigue resonando.

“Garage Inc.” de Metallica

El 24 de noviembre de 1998 la banda Metallica presentó al mundo Garage Inc., un volumen doble que celebraba sus raíces al reunir versiones de sus influencias y caras B, junto con una nueva sesión de grabaciones dedicada a homenajear a sus pilares musicales. Con este gesto, Metallica demostraba que, tras años de dominio comercial, quería mirar de nuevo hacia el garaje, el punk, el heavy original y el trazo más visceral del metal.

El primer disco de la edición contenía once nuevas versiones grabadas en 1997-98, donde Metallica reinterpretaba canciones de Diamond Head, Black Sabbath, Misfits, Thin Lizzy o Lynyrd Skynyrd, mostrando su abanico que iba del hardcore al rock setentero. Era un recordatorio de que la banda no había olvidado sus orígenes thrash, aunque en los años previos hubieran experimentado con sonidos más amplios y comerciales. Esta vuelta al garage era en esencia una reivindicación: “esto es de dónde venimos”.

El segundo disco recopilaba material previo: el EP original The $5.98 E.P. – Garage Days Re-Revisited, más versiones que habían sido caras B de singles o tributos, y una suite dedicada a Motörhead. De este modo, Metallica ofrecía al público tanto lo nuevo como lo que se había convertido en objeto de culto entre sus seguidores más devotos. Era una edición pensada para completistas, fans del formato físico y quienes valoraban ese “lado B” de la banda.

El artwork, la música y la selección de temas funcionan como puente entre generaciones: la portada recrea simbólicamente el espíritu del EP original, los músicos aparecen vestidos como mecánicos en un garaje, y las canciones demuestran que la banda seguía conectada con un sentido de hermandad con la escena del metal, no únicamente con el estrellato. En ese contexto, Garage Inc. se convirtió en testimonio de humildad, reivindicación y expansión, todo al mismo tiempo.

Desde el punto de vista comercial y cultural, el álbum fue un éxito: debutó alto en las listas, vendió millones de copias y se transformó en referencia para otras bandas que quisieran rendir tributo a sus orígenes o consolidar su estatus con un doble álbum de versiones incluyente. Además, permitió a Metallica reconectarse con sus raíces y con un público que les reprochaba, en parte, haber “abandonado el metal puro”.

Este lanzamiento funciona también como elemento de transición en la carrera de la banda: después de los grandes éxitos de …And Justice for All, The Black Album, Load y ReLoad, Garage Inc. actúa como pausa introspectiva, recordatorio y celebración antes de entrar en la siguiente fase creativa. Para los seguidores del metal y del rock en general representa un momento clave —el día en que una gran banda de metal reconoció abiertamente a sus maestros y versiones, y las puso en su vitrina con orgullo.

El directo “Live on Two Legs” de Pearl Jam

Ese mismo 24 de noviembre de 1998 se publicó Live on Two Legs, primer gran disco en directo de Pearl Jam. Recoge actuaciones de la gira norteamericana del verano de ese año y muestra al grupo en plena forma, con canciones de Ten, Vs. y Vitalogy. El álbum alcanzó el número 15 de la lista estadounidense y fue certificado platino, consolidando a la banda como una de las mejores formaciones en vivo de la década de los 90.

“Rainmaker”, sencillo de Iron Maiden

El 24 de noviembre de 2003 Iron Maiden editó “Rainmaker”, segundo sencillo de su álbum Dance of Death. Compuesta por Dave Murray, Steve Harris y Bruce Dickinson, la canción dura menos de cuatro minutos y destaca por su melodía pegadiza y un vídeo premiado por su montaje. “Rainmaker” alcanzó los primeros puestos en España, Canadá y Finlandia, y consolidó el buen momento de la banda tras la gira de reunión con Dickinson y Adrian Smith.

El doble DVD “The Day the Earth Shook” de Manowar

El 24 de noviembre de 2006 la banda Manowar lanzó su ambiciosa producción en vídeo The Day the Earth Shook – The Absolute Power, un doble DVD que captura uno de los momentos más grandiosos en la historia del heavy metal en directo. El material filmado corresponde al concierto que la formación ofreció en el festival Earthshaker Fest en Geiselwind, Alemania, el 23 de julio de 2005, durante su convención para fans, en un entorno festivo que se prolongó durante varios días.

La puesta en escena fue monumental: Manowar, junto a la Orquesta Filarmónica Bohuslav Martinů de 50 miembros y un reparto especial de exmiembros históricos de la banda, que se reunieron en el escenario para la interpretación del himno “Battle Hymn”. El espectáculo fue grabado por 27 cámaras en alta definición, capturando tanto la potencia musical como la comunión entre los fanáticos y la banda.

El contenido de la edición abarca cerca de siete horas: el concierto completo de más de dos horas, grabaciones completas de la convención de seguidores, entrevistas exclusivas y un documental sobre la preparación del evento. Esta magnitud convierte al DVD en más que un mero registro en vivo: es una celebración del culto al heavy metal, de la hermandad fan-banda, y del espectáculo llevado al límite.

Desde el punto de vista artístico, Manowar apostó por reinterpretar su propio legado en esta edición: sonaron clásicos como “Kings of Metal”, “Hail and Kill”, “Black Wind, Fire and Steel”, junto a la simbólica participación de Ross “The Boss” Friedman, Donnie Shankle, Kenny “Rhino” Edwards, lo que ofreció una experiencia multigeneracional de la banda. La sinergia entre el metal más crudo y la orquesta clásica reforzó la ambición del proyecto, subrayando que el heavy metal puede aspirar al espectáculo casi sinfónico si se desea.

El impacto comercial-cultural fue inmediato en el medio metalero: la producción fue certificada disco de oro en Alemania, superando las 50 000 unidades vendidas en ese país, y dejó un testimonio audiovisual para la legión de seguidores de la banda. También funcionó como punto de conexión entre generaciones de fans: los antiguos seguidores veían al Manowar de los 80 y 90, mientras que los más jóvenes accedían a un formato que unía documental, concierto y experiencia fan.

Desde una perspectiva de legado, este lanzamiento reafirmó el lugar de Manowar como una de las bandas más comprometidas con la estética del heavy metal extremo, el espectáculo épico y la conexión con su audiencia. En un contexto en que los formatos físicos aún tenían peso, un doble DVD con casi siete horas de contenido representaba un objeto de culto para coleccionistas. Y más aún: ese evento estelar se convirtió en un precedente para cómo muchas bandas de metal concebían las grandes producciones en directo, con extras, convenciones y edición de lujo.

Rob “Blasko” Nicholson

Robert Nicholson nació en Los Ángeles el 24 de noviembre de 1969. Bajista versátil, comenzó en el thrash con Cryptic Slaughter, pasó por Danzig y se dio a conocer mundialmente junto a Rob Zombie, adoptando entonces el apodo “Blasko”. Desde 2003 forma parte de la banda de Ozzy Osbourne, con quien ha grabado discos como Black Rain y Scream. También lidera el proyecto Death Riders y ha colaborado en bandas sonoras y líneas de ropa.

Russ Parrish, alias Satchel

Un año después, el 24 de noviembre de 1970, nació en Redwood City (California) el guitarrista Russell John Parrish, más conocido como Satchel. Formado en la Musicians Institute, trabajó como instructor y participó en proyectos como Bad Dog, War & Peace y la banda Fight de Rob Halford. A principios de los 2000 creó, junto al vocalista Michael Starr, la banda paródica Metal Shop, que acabaría convirtiéndose en Steel Panther. Con un estilo virtuoso y humorístico, Satchel es hoy una figura clave del glam metal contemporáneo.

Otras efemérides 

• 1964: The Who actúa en el Marquee Club de Londres.

• 1983: The Smiths y James tocan en el club The Hacienda de Mánchester.

• 1985: Muere el cantante de blues Big Joe Turner, autor de “Shake, Rattle and Roll”.

• 1988: Bon Jovi lanza el sencillo “Born to Be My Baby”, incluido en New Jersey.

• 1992: Se publican los discos Homebelly Groove Live (Spin Doctors) y The Future de Leonard Cohen; también aparece la caja recopilatoria Shine On de Pink Floyd.

• 1993: Fallece el guitarrista de blues Albert Collins.

• 1999: Sale a subasta en Londres el carné de conducir de Buddy Holly y una copia numerada del White Album de The Beatles.

• 2014: Soundgarden edita la recopilación Echo of Miles: Scattered Tracks Across the Path.

• 2017: Noel Gallagher’s High Flying Birds publica Who Built the Moon?.