El 21 de octubre reúne una colección especialmente potente de Rockfemérides: el nacimiento de Steve Lukather, uno de los guitarristas fundamentales del rock de estudio; la publicación de “Bat Out of Hell”, monumental unión de Meat Loaf y Jim Steinman; la salida como single de “Rainbow in the Dark” de Dio; la triste muerte de Shannon Hoon, voz de Blind Melon; y aniversarios discográficos de Rush, King Diamond, Slipknot y Korn. La selección amplía y actualiza las efemérides que recogíamos el año pasado.

Steve Lukather, el guitarrista que convirtió el estudio en su segunda casa

21 de octubre de 1957 — Nace Steve Lukather en Los Ángeles, California.

Steven Lee Lukather nació el 21 de octubre de 1957 en Los Ángeles y este año cumple 69 años. Guitarrista, cantante, compositor, productor y arreglista, su nombre está inevitablemente unido a Toto, pero su currículum es mucho más amplio: durante décadas se convirtió en uno de los músicos de sesión más solicitados de la industria estadounidense. Su propia web oficial eleva actualmente su participación a más de 2.000 álbumes, una cifra que actualiza ampliamente los datos más antiguos que hablaban de alrededor de 1.500 grabaciones.

La guitarra entró pronto en su vida. Después de iniciarse con batería y teclados, su padre le regaló cuando tenía siete años una acústica Kay junto con una copia de “Meet the Beatles”. Lukather ha explicado que escuchar a The Beatles, y particularmente el sonido de la guitarra de George Harrison, fue decisivo para que supiera qué quería hacer con su vida. En la adolescencia amplió su formación y entabló amistad con los hermanos Jeff y Steve Porcaro, conexiones que acabarían llevándolo al núcleo de músicos que formó Toto.

Toto tomó forma definitiva en 1977 alrededor de David Paich y Jeff Porcaro, incorporando a Lukather, Steve Porcaro, David Hungate y Bobby Kimball. Aquella combinación de músicos de sesión extraordinariamente versátiles fue capaz de moverse entre rock, pop, funk, soul, jazz y AOR con una precisión que marcó época. Lukather terminaría aportando a Toto algunos de sus momentos más reconocibles, tanto con la guitarra como con su voz, mientras canciones como “Hold the Line”, “Rosanna” y “Africa” convertían al grupo en un fenómeno internacional. La Recording Academy acredita a Lukather cinco premios Grammy y ocho nominaciones, entre ellos los triunfos asociados a “Toto IV” y “Rosanna” en 1983.

Su grandeza, sin embargo, no puede medirse únicamente por Toto. Lukather representa toda una época de los estudios de Los Ángeles en la que los músicos debían ser capaces de llegar, comprender rápidamente un arreglo y grabar una parte impecable sin perder personalidad. Su guitarra apareció en centenares de proyectos de estilos muy distintos, mientras paralelamente desarrollaba una carrera en solitario y exploraba el jazz-rock y la fusión. Esa combinación de técnica, melodía, instinto y eficiencia hizo de “Luke” un guitarrista especialmente valorado por productores y artistas.

Y la efeméride llega plenamente actualizada: Lukather continúa al frente de la actividad de Toto junto a Joseph Williams. El 19 de octubre de 2026, apenas dos días antes de su 69 cumpleaños, Toto anunció una gran gira europea para el verano de 2027 con motivo de los cincuenta años transcurridos desde que la formación fundacional comenzó a trabajar junta en enero de 1977. La banda informa además de que durante 2025 y 2026 actuó ante más de 850.000 espectadores. Casi medio siglo después de aquellas primeras sesiones, Steve Lukather continúa haciendo exactamente aquello que decidió de niño al escuchar a The Beatles: vivir con una guitarra entre las manos.

Meat Loaf abre de par en par las puertas del infierno

21 de octubre de 1977 — Se publica “Bat Out of Hell”, el álbum que convirtió a Meat Loaf y Jim Steinman en leyendas.

El 21 de octubre de 1977 apareció “Bat Out of Hell”, el primer gran álbum en solitario de Meat Loaf y una de las obras más desmesuradas, teatrales y perdurables de la historia del rock. Las siete canciones fueron escritas por Jim Steinman y el disco fue producido por Todd Rundgren. Lo que sobre el papel podía parecer una mezcla imposible de hard rock, musical de Broadway, melodrama adolescente, baladas gigantescas y rock and roll terminó convirtiéndose en uno de los discos más populares de todos los tiempos. En 2026 cumple 49 años.

Parte de aquel material tenía sus raíces en “Neverland”, proyecto teatral de Steinman inspirado libremente en Peter Pan. De ahí procedía esa peculiar sensación de escuchar no simplemente una colección de canciones, sino escenas de una película imaginaria: motocicletas, amores adolescentes, noches calurosas, promesas imposibles, accidentes, deseo, tragedia y humor negro. Meat Loaf encontró en aquellas composiciones un vehículo perfecto para su manera gigantesca de interpretar, mientras Steinman podía llevar al extremo su gusto por las canciones largas, los cambios dramáticos y los estribillos construidos para sonar enormes.

La gestación no fue sencilla. Meat Loaf y Steinman encontraron numerosos rechazos antes de que el proyecto terminara encontrando salida a través de Cleveland International, asociado a Epic. Todd Rundgren entendió el carácter deliberadamente excesivo del material y no intentó domesticarlo: ayudó a convertir aquella exageración en parte de su identidad. El resultado fue un disco en el que “Bat Out of Hell”, “You Took the Words Right Out of My Mouth”, “Two Out of Three Ain’t Bad”, “Paradise by the Dashboard Light” y “For Crying Out Loud” funcionan casi como pequeñas óperas rock.

El éxito, además, tuvo una peculiaridad: fue creciendo con el tiempo. En Reino Unido “Bat Out of Hell” alcanzó finalmente el número 3, pero su verdadero récord es la permanencia. Official Charts registra nada menos que 530 semanas dentro del Top 100 británico, 253 de ellas en el Top 40. En 2022, coincidiendo con las celebraciones del National Album Day, fue reconocido a partir de los datos oficiales de ventas y reproducciones como el álbum de debut más grande de la historia comercial británica. Pocos discos representan mejor el concepto de éxito de largo recorrido.

“Bat Out of Hell” tampoco terminó realmente en 1977. Steinman y Meat Loaf regresaron a aquel universo con “Bat Out of Hell II: Back into Hell” en 1993, del que surgió “I’d Do Anything for Love (But I Won’t Do That)”, y la saga tendría una tercera entrega en 2006. Pero el original continúa siendo irrepetible. Tras las muertes de Jim Steinman en 2021 y Meat Loaf en 2022, el disco quedó también como monumento a una asociación artística única: la del compositor que imaginaba el rock como una ópera sin límites y el cantante capaz de hacer creíble semejante exceso.

Dio encuentra su arcoíris en la oscuridad

21 de octubre de 1983 — Dio publica como single “Rainbow in the Dark”.

El 21 de octubre de 1983 se publicó “Rainbow in the Dark”, segundo single extraído de “Holy Diver”, el debut de la banda que Ronnie James Dio había construido después de abandonar Black Sabbath. Si “Holy Diver” había presentado aquel nuevo universo de espadas, oscuridad, magia y heavy metal clásico, “Rainbow in the Dark” aportó algo diferente: una melodía inmediata, un teclado imposible de olvidar y uno de los estribillos más reconocibles de toda la carrera de Dio.

La canción fue acreditada a Ronnie James Dio, Vinny Appice, Jimmy Bain y Vivian Campbell. Bain fue responsable del famoso motivo de teclado que acompaña el tema, mientras que Campbell construyó una de sus intervenciones de guitarra más celebradas. El propio guitarrista ha recordado que pasó el día preparando el solo en La menor y que la toma que terminó utilizándose fue, esencialmente, la primera que grabó: Dio quedó tan impresionado que finalmente decidieron conservarla.

Lo más curioso es que uno de los mayores himnos de Dio estuvo a punto de no existir. Ronnie consideraba que “Rainbow in the Dark” sonaba demasiado comercial en comparación con el resto de “Holy Diver”. Llegó a plantearse cortar físicamente la cinta —eran todavía tiempos analógicos— para eliminar la canción. Sus compañeros consiguieron convencerlo de que no lo hiciera. Años después, el propio cantante reconocería que habían tenido razón: el tema se convirtió en una de las piezas que el público esperaba escuchar en cada concierto.

Ese carácter accesible que tanto inquietaba a Ronnie resultó ser precisamente una de sus virtudes. El teclado abría una puerta melódica sin restar fuerza al riff, la guitarra de Campbell aportaba velocidad y brillo, y la voz de Dio dominaba la canción con esa mezcla inconfundible de potencia y dramatismo. El sencillo entró en las listas de rock estadounidenses y alcanzó el número 46 en Reino Unido, ayudado además por un videoclip de fuerte rotación durante la era de expansión de MTV.

Con el paso de las décadas, “Rainbow in the Dark” se ha independizado incluso de “Holy Diver” hasta convertirse en una especie de tarjeta de presentación del legado de Ronnie James Dio. Su mezcla de heavy metal, melodía, teclado y dramatismo anticipó además buena parte del lenguaje que dominaría el metal melódico durante los años siguientes. La gran ironía es evidente: una canción que su autor estuvo a punto de destruir por considerarla excesivamente comercial terminó convirtiéndose en uno de los argumentos más sólidos de su inmortalidad artística.

Shannon Hoon y el final demasiado temprano de Blind Melon

21 de octubre de 1995 — Fallece Shannon Hoon, vocalista de Blind Melon, a los 28 años.

El 21 de octubre de 1995 el rock alternativo perdió a una de las voces más personales surgidas durante la explosión de los años noventa. Shannon Hoon, cantante y compositor de Blind Melon, fue encontrado sin vida en el autobús de gira del grupo en Nueva Orleans. Tenía solo 28 años y la banda debía actuar aquella noche en Tipitina’s. Los primeros informes no establecieron inmediatamente la causa, aunque posteriormente se confirmó que su muerte estuvo relacionada con una sobredosis.

Blind Melon había alcanzado el éxito apenas unos años antes. Su debut homónimo de 1992 tardó en despegar, pero todo cambió cuando MTV comenzó a emitir de forma masiva el videoclip de “No Rain”, protagonizado por la célebre “Bee Girl”. La canción llegó al número uno de las listas alternativas estadounidenses durante tres semanas y el álbum alcanzó el número 3. En el momento de la muerte de Hoon ya había superado ampliamente los dos millones de copias en Estados Unidos.

Hoon encajaba mal en muchos de los estereotipos de la escena alternativa. Su voz aguda y flexible, el componente psicodélico y hippie de Blind Melon y una forma de escribir más vulnerable y colorista diferenciaban al grupo del grunge más oscuro que dominaba buena parte de la conversación musical. Su personalidad carismática también convirtió rápidamente a Hoon en el centro visual de la banda, aunque la velocidad del éxito vino acompañada de una creciente inestabilidad personal y problemas con las drogas.

En 1995 Blind Melon había publicado “Soup”, un segundo álbum mucho más sombrío, extraño y arriesgado que el debut. Hoon atravesaba entonces una etapa contradictoria: había pasado por programas de rehabilitación y era consciente de sus problemas, pero al mismo tiempo estaba orgulloso del nuevo disco y acababa de convertirse en padre. Aun así, volvió a salir de gira. El 21 de octubre, tras un concierto celebrado la noche anterior en Houston, su vida terminó en el autobús estacionado en Nueva Orleans.

Han pasado 31 años y Shannon Hoon continúa siendo mucho más que “el cantante de ‘No Rain’”. “Soup” fue revalorizándose, las grabaciones de Blind Melon encontraron nuevas generaciones de oyentes y su voz sigue identificando inmediatamente una época en la que el rock alternativo podía ser al mismo tiempo psicodélico, acústico, duro, vulnerable y absolutamente imprevisible. Su muerte pertenece a la larga lista de tragedias del rock de los noventa, pero su legado merece recordarse por la música antes que por la forma en que terminó su vida.

2002 – Visions of Atlantis debuta con Eternal Endless Infinity

El 21 de octubre de 2014, la banda estadounidense Slipknot lanzó su quinto álbum de estudio, .5: The Gray Chapter, poniendo fin a un silencio discográfico de seis años. Este trabajo representó una nueva era para el grupo, al marcar la primera ocasión en que el bajista fundador Paul Gray (fallecido en 2010, al que alude el título) no figura en la alineación y también la primera sin el baterista original Joey Jordison, expulsado en 2013.

Grabado entre marzo y julio de 2014 en Sunset Sound (Hollywood) bajo la producción de Greg Fidelman, el álbum presenta a nuevos miembros en la banda: el bajista Alessandro Venturella y el baterista Jay Weinberg, quienes aportaron frescura a la formación. El sonido de The Gray Chapter combina la brutalidad típica de la era de “Iowa” con la melodía más trabajada de anteriores registros del grupo, generando una de sus entregas más personales y emotivas.

Comercialmente logró un éxito inmediato: debutó en el número 1 de la lista Billboard 200 en Estados Unidos, además de ocupar el primer lugar en Australia, Japón, Rusia y otros territorios. La crítica destacó cómo Slipknot canalizó la pérdida, la rabia y la reinvención en un álbum coherente, potente y significativo para su trayectoria.

2003 – King Diamond publica el álbum conceptual The Puppet Master

El 21 de octubre de 2003 la banda danesa de heavy metal King Diamond publicó su undécimo álbum de estudio, The Puppet Master. Se trata de un trabajo conceptual que narra la historia de una pareja que asiste a un espectáculo de títeres en Budapest en la Navidad del siglo XVIII, donde la función oculta un oscuro destino: los asistentes terminan atrapados, sus almas almacenadas dentro de marionetas vivientes por el titiritero y su esposa.

La historia se abre ante un proveedor narrativo que cuelga de una pared en la nieve, rememorando su vida anterior antes de convertirse en un títere, antes de retroceder dieciocho años para relatar los hechos. En esta línea argumental aparecen personajes como la joven Victoria, el titiritero y su esposa Emerencia, crímenes impíos, rituales de sangre y transformaciones indescriptibles que culminan en una rutina mortal dentro de un taller infernal de marionetas.

Musicalmente, el disco preserva la esencia marcada por la voz aguda y teatral de King (Diamond), las guitarras melódicas de Andy LaRocque y Mike Wead, las bases rítmicas de Hal Patino y Matt Thompson, y una producción que mezcla elementos de heavy metal tradicional con matices góticos y sinfónicos. La edición limitada incluye un DVD en el que King Diamond narra la historia del álbum, aportando una dimensión visual al concepto.

The Puppet Master reafirmó a King Diamond como maestro del metal narrativo, combinando su afición por lo macabro con una ejecución técnica sólida. El disco logró situarse en las listas de ventas suecas y europeas, mostrando que incluso tras varias décadas de carrera la banda seguía investida de creatividad y capacidad de impacto.

Rush llena Maracaná mientras King Diamond mueve los hilos

21 de octubre de 2003 — Rush publica “Rush in Rio” y King Diamond lanza “The Puppet Master”.

El 21 de octubre de 2003 dejó dos lanzamientos muy diferentes pero igualmente representativos de sus autores. Por un lado apareció “Rush in Rio”, monumental documento en directo del regreso de Rush a las grandes giras. Por otro, King Diamond publicó “The Puppet Master”, otro de sus elaborados relatos de terror convertidos en disco conceptual. Rock progresivo y heavy metal teatral compartieron así una misma fecha.

“Rush in Rio” procede fundamentalmente del concierto celebrado el 23 de noviembre de 2002 en el estadio Maracaná, última noche del “Vapor Trails Tour”. Aquella gira tenía un significado especial: Rush había regresado a la carretera después de casi seis años de parón, provocado por las tragedias personales sufridas por Neil Peart. En Brasil descubrieron un público extraordinariamente apasionado. El concierto de Río congregó aproximadamente a 40.000 personas y, sumando las tres actuaciones brasileñas de aquella recta final, el grupo tocó para más de 125.000 espectadores.

El álbum apareció como triple CD y capturó prácticamente el concierto completo, desde clásicos como “Tom Sawyer”, “The Spirit of Radio”, “2112”, “YYZ” o “La Villa Strangiato” hasta material de “Vapor Trails”. Dos cortes adicionales, “Between Sun & Moon” y “Vital Signs”, procedían respectivamente de Phoenix y Quebec. Uno de los elementos que convirtió la grabación en legendaria fue escuchar a decenas de miles de brasileños “cantando” incluso las melodías instrumentales; Geddy Lee recordaría especialmente la reacción del público durante “YYZ”.

Ese mismo día, King Diamond llevó a las tiendas “The Puppet Master”, su undécimo álbum de estudio. El concepto nació después de que King quedara fascinado por un antiguo teatro de marionetas durante una visita a Budapest. A partir de aquella impresión construyó una historia ambientada en una Budapest antigua y siniestra, donde una pareja cae en manos de un titiritero y su esposa y termina atrapada en un macabro mundo de marionetas humanas, rituales, sangre y cuerpos convertidos en muñecos vivientes.

Musicalmente, “The Puppet Master” reunió la teatralidad vocal de King Diamond con las guitarras de Andy LaRocque y Mike Wead, el bajo de Hal Patino y la batería de Matt Thompson. Livia Zita aportó voces femeninas, especialmente significativas en “So Sad”. La edición especial incluía además un DVD en el que King, completamente maquillado, narraba personalmente el argumento para quienes quisieran seguir cada detalle de la historia. Veintitrés años después, aquel 21 de octubre sigue siendo una fecha curiosamente perfecta: Rush documentaba la euforia de decenas de miles de personas en un estadio mientras King Diamond invitaba al oyente a encerrarse en un pequeño teatro de pesadilla.

Slipknot convierte el duelo en “The Gray Chapter”

21 de octubre de 2014 — Slipknot publica en Estados Unidos “.5: The Gray Chapter”.

El 21 de octubre de 2014 llegó a las tiendas estadounidenses “.5: The Gray Chapter”, quinto álbum de estudio de Slipknot y primer trabajo largo del grupo en seis años. No era simplemente el sucesor de “All Hope Is Gone”: representaba la reconstrucción de una banda que había sufrido la muerte de su bajista y miembro fundador Paul Gray en 2010 y la salida del batería Joey Jordison a finales de 2013. El propio título convertía el apellido de Gray en el centro simbólico de aquel nuevo capítulo.

La ausencia de Gray atravesó buena parte del disco. Corey Taylor explicó entonces que los integrantes habían vivido el duelo de formas diferentes y que regresar al estudio significaba aprender a funcionar de nuevo como grupo. De ahí que canciones como “XIX”, “Skeptic” o “Goodbye” tengan un componente emocional que va más allá de la agresividad característica de Slipknot. Al mismo tiempo, “The Negative One”, “The Devil in I” y “Custer” demostraban que la banda seguía teniendo capacidad para construir temas feroces destinados al directo.

El álbum fue trabajado con Greg Fidelman y mantuvo una combinación de brutalidad, percusión masiva, riffs de metal moderno y pasajes más atmosféricos. En el momento de su publicación la identidad de los nuevos músicos todavía se mantenía rodeada de secretismo; posteriormente se confirmó que Jay Weinberg había asumido la batería y Alessandro “V-Man” Venturella el bajo. Weinberg permanecería aproximadamente una década con la banda antes de salir en 2023 y ser sustituido en 2024 por el exbatería de Sepultura Eloy Casagrande, un dato que conviene actualizar respecto a las primeras historias del álbum.

“.5: The Gray Chapter” respondió también comercialmente. Vendió alrededor de 132.000 copias en Estados Unidos durante su primera semana y entró directamente en el número uno del Billboard 200, convirtiéndose en el segundo álbum consecutivo de Slipknot que alcanzaba la cima estadounidense después de “All Hope Is Gone”. En 2016 recibió además certificación de Oro en Estados Unidos.

Más importante que las cifras fue lo que representó para la continuidad del grupo. Slipknot podía haberse desintegrado después de perder a Paul Gray y posteriormente a Joey Jordison, dos figuras fundamentales de su primera etapa. “The Gray Chapter” demostró que todavía existía una banda dispuesta a continuar, aunque necesariamente distinta. Por eso el disco permanece como uno de los capítulos emocionalmente más complejos de su catálogo: no solo habla de rabia, sino de ausencia, memoria y supervivencia.

Korn vuelve a sus raíces con “The Serenity of Suffering”

21 de octubre de 2016 — Korn publica “The Serenity of Suffering”.

El 21 de octubre de 2016 Korn lanzó “The Serenity of Suffering”, su duodécimo álbum de estudio y un trabajo que en 2026 cumple diez años. Después de las exploraciones electrónicas de “The Path of Totality” y de la recuperación de Brian “Head” Welch en “The Paradigm Shift”, el grupo apostó aquí por recuperar parte del peso, la oscuridad y la tensión que habían hecho de Korn uno de los nombres definitorios del nu metal.

El disco fue producido por Nick Raskulinecz, conocido por sus trabajos con bandas como Deftones, Mastodon, Alice in Chains y Rush. Su producción dio prioridad a guitarras enormes, bajo percusivo, batería contundente y, sobre todo, al registro más angustiado de Jonathan Davis. El propio entorno de la banda presentó el álbum antes de su lanzamiento como un regreso a un Korn más pesado, una descripción que canciones como “Insane”, “Rotting in Vain” y “Black Is the Soul” justificaban desde las primeras escuchas.

Uno de los puntos de encuentro más llamativos fue “A Different World”, donde Corey Taylor de Slipknot compartió voces con Jonathan Davis. La colaboración unió a dos de las figuras vocales más importantes surgidas de las diferentes generaciones del metal estadounidense de finales de los noventa y comienzos de los 2000. “Rotting in Vain”, por su parte, canalizaba la idea de permanecer atrapado durante años en situaciones destructivas sin encontrar la manera de escapar, según explicó el propio Davis durante la presentación del disco.

El regreso a un sonido más visceral fue bien recibido y “Rotting in Vain” terminó consiguiendo una nominación al Grammy a Mejor Interpretación de Metal en la edición de 2017. La Recording Academy describiría posteriormente “The Serenity of Suffering” como un regreso triunfal para el grupo antes de la publicación de “The Nothing” en 2019.

Una década después, “The Serenity of Suffering” ocupa una posición interesante en la discografía de Korn. No pretendía reinventar el metal como hicieron sus primeros trabajos, sino reconciliar diferentes etapas de su carrera: el sonido de guitarras graves y disonantes de los noventa, la producción contemporánea y una madurez compositiva adquirida tras más de veinte años de actividad. Es, en ese sentido, un álbum de regreso sin ser un ejercicio de nostalgia.

2022 – Stryper lanza The Final Battle

El 21 de octubre de 2022 la banda estadounidense Stryper lanzó su decimocuarto álbum de estudio, The Final Battle, un disco publicado por Frontiers Records y concebido durante un periodo lleno de adversidades personales para los miembros del grupo.

Las sesiones de grabación vinieron tras la pandemia y de superar problemas graves como el tumor cerebral de Oz Fox y la retina desprendida de Michael Sweet, quienes volcaron esas experiencias en un sonido más pesado sin renunciar a la melodía que los caracteriza.

El álbum abre con el acelerado clamor de “Transgressor” y desgrana once temas que combinan riffs contundentes, coros pegadizos y letras de redención. Canciones como “Same Old Story” o “No Rest for the Wicked” muestran una banda que explora tinieblas musicales sin abandonar su identidad, mientras el cierre con “Ashes to Ashes” reafirma ese balance entre intensidad y fe que ha sido su marca. 1

Con The Final Battle Stryper da muestras de vitalidad renovada: la producción destila claridad y fuerza, la banda suena cohesionada y motivada, y el mensaje permanece firme. En un momento en que muchas bandas veteranías bajan revoluciones, este álbum demuestra que Stryper siguen con fuego en sus guitarras, dispuesto a luchar tanto dentro como fuera del escenario.

Otras Rockfemérides del día

• 21 de octubre de 1940 — Nace Manfred Mann en Johannesburgo, Sudáfrica. Teclista cuyo nombre quedaría asociado sucesivamente a Manfred Mann, Manfred Mann Chapter Three y Manfred Mann’s Earth Band, recorriendo desde el rhythm & blues y el beat hasta el rock progresivo. En 2026 cumple 86 años.

• 21 de octubre de 1941 — Nace Steve Cropper en Misuri. Aquí hay una actualización importante respecto a la efeméride del año pasado: el legendario guitarrista de Booker T. & the M.G.’s y pieza esencial del sonido Stax falleció en Nashville el 3 de diciembre de 2025, a los 84 años. Coescribió clásicos como “In the Midnight Hour” y “(Sittin’ On) The Dock of the Bay” y dejó una influencia enorme sobre el soul, el rhythm & blues y el rock. Este año habría cumplido 85.

• 21 de octubre de 1942 — Nace Elvin Bishop en Glendale, California. Guitarrista y cantante de blues-rock, fue miembro de la histórica Paul Butterfield Blues Band, donde compartió guitarras con Mike Bloomfield. En 2015 entró en el Rock and Roll Hall of Fame como miembro del grupo. En 2026 cumple 84 años.

• 21 de octubre de 1952 — Nace Brent Mydland en Múnich, Alemania Occidental. Teclista, cantante y compositor de Grateful Dead desde 1979 hasta su muerte en 1990, fue el teclista que más tiempo permaneció de forma continuada en la banda.

• 21 de octubre de 1953 — Nace Charlotte Caffey en Santa Mónica, California. Guitarrista y teclista de The Go-Go’s y compositora de “We Got the Beat”, uno de los himnos más reconocibles de la banda. En 2026 cumple 73 años.

• 21 de octubre de 1958 — Buddy Holly realiza una de sus sesiones históricas en Nueva York. En el Pythian Temple grabó con la orquesta de Dick Jacobs “True Love Ways”, “It Doesn’t Matter Anymore”, “Raining in My Heart” y “Moondreams”. Fue su última sesión formal de estudio antes de su muerte en febrero de 1959.

• 21 de octubre de 1971 — Nace Nick Oliveri en Los Ángeles. Bajista, cantante y multiinstrumentista ligado al desert rock y al stoner, fue miembro de Kyuss y, entre 1998 y 2004, de Queens of the Stone Age; también lideró Mondo Generator. En 2026 cumple 55 años.

• 21 de octubre de 1997 — Deicide publica “Serpents of the Light”.Cuarto álbum de estudio de los deathmetaleros de Florida, grabado en Morrisound y producido por Deicide junto a Scott Burns. Una corrección respecto a algunas biografías que circulan por Internet: no fue el último disco con los hermanos Eric y Brian Hoffman, que todavía permanecerían varios años en la formación.

• 21 de octubre de 2006 — Fallece Sandy West, batería y cofundadora de The Runaways, a los 47 años, después de luchar contra un cáncer de pulmón. Joan Jett la recordó como una batería extraordinariamente potente y como una compañera con la que compartió el sueño de demostrar que las mujeres podían formar una banda de rock por derecho propio.