Un día como hoy, 2 de octubre, a lo largo de las décadas se lanzaron álbumes emblemáticos que marcaron la historia del rock. Desde “Kinks” –el disco debut de The Kinks en 1964– y el experimental “Atom Heart Mother” de Pink Floyd en 1970, hasta “Restless and Wild” de Accept (1982) y el influyente debut homónimo de Bathory (1984). También verían la luz “Twilight Time” de Stratovarius (1992), “The X Factor” de Iron Maiden (1995, primer disco tras la salida de Bruce Dickinson), “Dark Passion Play” de Nightwish (2007, primer álbum con Anette Olzon) o “Golgotha”de W.A.S.P. (2015), entre otros. Además, un 2 de octubre nacieron figuras destacadas como Mike Rutherford (Genesis) o Sting (The Police), y en 2017 nos dejó el gran Tom Petty, entre otras efemérides que recordamos a continuación.

1964 – The Kinks lanzan su álbum debut “Kinks”

02 de octubre de 1964: Se publica en el Reino Unido “Kinks”, el primer LP de la banda británica The Kinks, considerado un disco fundamental en la historia del rock. Este trabajo supuso el debut discográfico en larga duración de la influyente agrupación liderada por los hermanos Davies. Si bien el álbum en su conjunto recibió críticas mixtas por incluir varias versiones apresuradas de clásicos de rhythm and blues –resultado de la prisa por capitalizar el éxito repentino del sencillo “You Really Got Me”–, su importancia histórica es indudable. Contiene precisamente “You Really Got Me”, canción que había sido un rotundo éxito (número 1 en las listas británicas) y cuyo riff agresivo y distorsionado marcó un antes y un después, apuntalando el camino hacia subgéneros más duros del rock. En Estados Unidos el disco se publicó bajo el título “You Really Got Me” (omitiendo tres temas de la versión original), y con el tiempo ha sido reconocido como uno de los grandes debuts del rock a pesar de su producción modesta. The Kinks, con su energía primal y fusiones de rock & roll y blues, sentarían las bases para corrientes posteriores –desde el garage rock hasta el punk y el heavy metal incipiente– demostrando la enorme influencia que esta joven banda ejercería en generaciones venideras.

1970 – Pink Floyd publica “Atom Heart Mother”

02 de octubre de 1970: Se lanza en el Reino Unido “Atom Heart Mother”, el quinto álbum de estudio de Pink Floyd. Este disco marcó un hito en la evolución de la banda al adentrarse por completo en la experimentación psicodélica y sinfónica: la cara A está ocupada por la extensa suite instrumental homónima de 23 minutos, grabada con arreglos orquestales y coros, mientras que la cara B reúne composiciones individuales de los miembros del grupo y cierra con otra pieza instrumental La icónica portada –una simple vaca Holstein pastando, diseñada por Hipgnosis– fue la primera de Floyd en no incluir ni el nombre de la banda ni el título, ejemplificando su carácter enigmático y vanguardista. Atom Heart Mother alcanzó el número 1 en las listas británicas (fue el primer álbum de Pink Floyd en lograrlo) y obtuvo disco de oro, aunque en EE.UU. tuvo un recibimiento más discreto (puesto 55 en Billboard). Pese a su éxito comercial, la crítica se mostró dividida y, con el paso del tiempo, algunos integrantes como Waters y Gilmour manifestaron opiniones negativas sobre el disco. No obstante, muchos lo consideran una obra de transición crucial entre la primera etapa psicodélica del grupo y la posterior consagración conceptual de trabajos como “The Dark Side of the Moon”. Medio siglo después, Atom Heart Mother perdura como testimonio de la ambición experimental de Pink Floyd en 1970, combinando rock progresivo con música clásica para expandir los límites del género.

1982 – Accept lanza “Restless and Wild”

02 de octubre de 1982: Se publica “Restless and Wild”, el cuarto álbum de estudio de la banda alemana de heavy metal Accep. Editado inicialmente por Brain Records en Europa (y al año siguiente en Estados Unidos vía Portrait), este disco supuso un salto creativo importante para Accept, consolidando su sonido y adelantándose a tendencias más extremas del metal. La grabación tuvo lugar en los estudios Dierks con el afamado productor Dieter Dierks (conocido por su trabajo con Scorpions). Cabe señalar que durante la gestación del álbum hubo cambios en la formación: el guitarrista Jörg Fischer abandonó la banda tras la gira anterior, y aunque Jan Koemmet fue contratado temporalmente para reemplazarlo, terminó siendo despedido antes de las sesiones. Por ello, Wolf Hoffmanngrabó todas las guitarras del disco; posteriormente se incorporó Herman Frank como segundo guitarrista, quien aun sin participar en la grabación fue acreditado en el álbum. “Restless and Wild” recibió excelentes críticas en la prensa especializada y, con los años, varias de sus canciones adquirieron estatus de clásicos del meta. En particular, temas como “Fast as a Shark” –considerado precursor del speed metal por su velocidad y agresividad– y “Ahead of the Pack” se convirtieron en imprescindibles del repertorio de Accep. Otra pieza destacada es “Princess of the Dawn”, un medio tiempo épico cuya letra, según el vocalista Udo Dirkschneider, es “una especie de cuento de Cenicienta, como una fantasía al estilo El Señor de los Anillos, sin significado profundo ni inspiración en ninguna leyenda o historia en particular”. Restless and Wild fue también el primer disco en el que Gaby Hauke (mánager de Accept, bajo el seudónimo “Deaffy”) colaboró en la composición de letras, y presentó una curiosidad en cuanto al arte de portada: la versión europea mostraba dos guitarras ardiendo, pero en ediciones posteriores para EE.UU. y Reino Unido se cambió por una foto en vivo de la banda. Con este álbum, Accept logró por primera vez ingresar a listas de éxitos en Europa, consolidándose internacionalmente. En retrospectiva, Restless and Wild se considera el trabajo que llevó a Accept al siguiente nivel creativo, allanando el camino para el sonido que influenciaría al metal alemán en los 80.

1984 – Bathory estrena su influyente álbum debut “Bathory”

02 de octubre de 1984: El mismo día que el heavy metal triunfaba en distintas latitudes, en Suecia veía la luz el primer disco de Bathory, titulado simplemente “Bathory”. Este debut homónimo de la banda liderada por el enigmático Quorthon se lanzó a través del pequeño sello Tyfon Grammofon y en una tirada inicial limitadísima (apenas 1000 copias en vinilo). A pesar de su producción humilde y sonido crudo, el impacto de este álbum en la escena underground europea fue tremendo: está considerado por fans y críticos como uno de los primeros discos de black metal de la historia, e incluso candidato a ser el primer álbum propiamente dicho del género. Con canciones feroces y atmosféricas como “Hades”, “Reaper” o “Sacrifice”, Bathory definió los rasgos del black metal naciente: guitarras abrasivas, voces guturales demoníacas, velocidad cercana al speed metal y una temática lírica oscura y satánica. La atmósfera maligna del disco –reforzada por la icónica portada con la cabeza de una cabra (el “cabrito infernal” de Bathory)– sentó cátedra para innumerables bandas extremas que seguirían. Quorthon, apenas en sus late teens, grabó voz y guitarra, contando con la ayuda de Rickard Bergman en bajo y Stefan Larsson en batería, pero es su visión artística la que permea todo el álbum. Bathory (1984) se convirtió con el tiempo en una piedra angular de la escena extreme metal, marcando el inicio de la legendaria carrera de Bathory y la explosión del black metal escandinavo que dominaría la segunda mitad de los 80. Su legado es incalculable: sin este disco seminal, la evolución del metal extremo (black, viking, e incluso el thrash más blasfemo) no habría sido la misma.

1992 – Stratovarius publica “Twilight Time”

02 de octubre de 1992: La banda finlandesa de power metal Stratovarius lanza su segundo álbum de estudio, “Twilight Time”. Curiosamente, este trabajo había salido inicialmente en Finlandia meses antes (febrero de 1992) bajo el sello local Bluelight y con el título Stratovarius II, pero el 2 de octubre marcó su lanzamiento internacional renombrado ya como Twilight Time. El disco contiene 8 canciones y fue prácticamente un álbum autoproducido: aunque en los créditos figura el bajista Jari Behm, todas las líneas de bajo fueron grabadas en realidad por Timo Tolkki, guitarrista, vocalista y líder de la banda, quien asumió también ese instrumento tras la marcha de Behm. Twilight Time pasó casi inadvertido en su tierra natal, pero al poco tiempo se convirtió en un fenómeno de importación en Japón: en apenas 5 meses entró al Top 10 de discos importados en las listas niponas y eventualmente fue el álbum de importación más vendido en Japón durante 1993. Este inesperado éxito en el competitivo mercado japonés ayudó a catapultar la carrera internacional de Stratovarius. Musicalmente, el álbum muestra a un grupo todavía en desarrollo pero ya con destellos de lo que sería su estilo: power metal melódico con elementos neoclásicos y destacados solos de guitarra de Tolkki. Canciones como “Break The Ice” –que fue publicada como EP en 1991 y luego filmada como vídeo en 1993– muestran su combinación de riffs enérgicos y melodías épicas. Si bien Twilight Time suena más simple que obras posteriores de la banda, hoy se valora como un capítulo importante en la discografía de Stratovarius: el punto de partida de su reconocimiento fuera de Finlandia y un precursor del boom del power metal europeo de los 90.

1995 – Iron Maiden inaugura la era Blaze Bayley con “The X Factor”

02 de octubre de 1995: Iron Maiden edita “The X Factor”, décimo álbum de su trayectoria y primero tras la salida del emblemático vocalista Bruce Dickinson. La marcha de Dickinson supuso un punto de inflexión; para reemplazarlo la Doncella fichó a Blaze Bayley, ex cantante de Wolfsbane, poseedor de una voz potente pero de registro más grave que su antecesor. El resultado fue un álbum marcado por un tono mucho más oscuro y denso que cualquier trabajo previo de Maiden. En parte, la banda optó por explorar las fortalezas de la voz de Bayley dentro de sus limitaciones, dando lugar a composiciones más atmosféricas e introspectivas. El título The X Factor es en sí un juego de palabras: alude a la incógnita que suponía esta décima placa (“X” en números romanos) en el rumbo de Maiden. El disco despertó opiniones divididas en su momento –muchos fans extrañaban la energía más directa de los 80 y la voz aguda de Dickinson–, pero con el tiempo ha sido reivindicado por la profundidad de sus canciones y las variantes compositivas que introdujo. Un rasgo único de The X Factor es que todas las canciones arrancan y concluyen con pasajes acústicos, creando una atmósfera tenebrosa que hilvana el álbum completo. La duración de los temas también es notablemente mayor: excepto por el single “Man on the Edge”, ninguna baja de los cinco minutos, y “Sign of the Cross” se extiende por más de 11 minutos (fue en su momento la canción más larga grabada por Maiden) Las letras reflejan los aspectos más oscuros de la vida –depresión, estrés, suicidio, maldad– influenciadas por un bache personal del bajista Steve Harris, quien atravesaba problemas familiares. Musicalmente, destacan la épica sombría “Sign of the Cross”(con referencias a la novela El nombre de la rosa), la agresiva “Lord of the Flies” (inspirada en El señor de las moscas) o la melancólica “Blood on the World’s Hands”, entre otras. La portada del álbum, obra de Hugh Syme (famoso por sus trabajos con Rush y Megadeth), acentuó el tono tétrico: mostraba a la mascota Eddie mutilada y torturada en una guillotina, en una representación realista mediante maqueta que impactó a muchos fans. A pesar de las críticas iniciales, The X Factor ha ganado aprecio y hoy varios seguidores lo consideran un disco infravalorado. El propio Steve Harris llegó a decir que es uno de sus tres álbumes favoritos de Iron Maiden, junto a Piece of Mind (1983) y Seventh Son of a Seventh Son (1988). Sin duda, fue una apuesta arriesgada que mostró otra faceta de Maiden y sentó bases para elementos que la banda seguiría explorando tras el regreso de Dickinson en 1999.

A pesar de las críticas que recibe el nuevo cantante por parte de los fanes y la mayor parte de la prensa, el disco en general tiene canciones de calidad. Desde la densa «Sign Of The Cross» (con referencias a la novela de El nombre de la rosa) hasta la más directa «Man On The Edge». Sin pasar por alto «Lord of the Flies». (En la que expresa el gusto de vivir en peligro, mezclando la furia y la emoción. Sentir el poder interior.) y no nada más queda en eso, sino como la banda lo ha venido haciendo en años, cita la novela de El señor de las moscas, de William Golding, de 1954.

El álbum también cuenta con temas tan complejos como «Fortunes Of War» o «Blood On The World’s Hand». La temática de las canciones está por entero marcada por los aspectos más oscuros de la vida: la depresión, el estrés, las ideas del suicidio y la maldad. Toda esta temática oscura, como admitió en su momento el líder de la banda, Steve Harris, se debió a un bache personal que él sufrió luego de separarse de su esposa Lorraine con la cual tenía cuatro hijos.

La portada fue obra de Hugh Syme (entre otras, también es el autor de la portada de Countdown to Extinction de Megadeth). Es la primera y única vez en que el personaje de Eddie the Head es representado mediante una maqueta (en este caso, diseccionada), a excepción de cualquier otro tipo de arte gráfico utilizado hasta entonces por la banda.

El arte del disco mantiene el tono oscuro de sus canciones, con un Eddie sentado en una silla de tortura, en la portada, mientras en la contraportada la máquina parece haberse puesto en marcha, con un desagradable resultado para nuestro pobre Eddie. En el libreto interior se intercalan imágenes de los músicos con otras bastante «aterradoras» de su icono, gráficos de disecciones de cerebros humanos, etc., por lo cual es considerado como el mejor diseño para un disco de «La Doncella de Hierro».

Para Steve Harris, líder y bajista de la banda, The X Factor es uno de sus tres discos favoritos junto a Piece of Mind y Seventh Son of a Seventh Son.

2007 – Nightwish reinicia con nueva voz en “Dark Passion Play”

02 de octubre de 2007: Se publica oficialmente en Estados Unidos (a través del sello Roadrunner Records) “Dark Passion Play”, sexto álbum de estudio de los finlandeses Nightwish y primero con la nueva vocalista Anette Olzon. Tras la polémica salida de Tarja Turunen en 2005, la banda afrontó este disco como un renacer, invirtiendo en él un esfuerzo sin precedentes. Con un costo de producción de alrededor de 500.000 euros –el más caro en la historia musical de Finlandia–, Dark Passion Play se grabó parcialmente en los míticos Abbey Road Studios de Londres e incluyó la participación de la Orquesta Filarmónica de Londres, lo que le confiere un sonido sinfónico majestuoso. El teclista y líder de la banda, Tuomas Holopainen, llegó a declarar que este álbum “le salvó la vida”, pues tras la crisis vivida en 2005 cayó en una depresión que solo superó componiendo estas nuevas canciones. El lanzamiento fue un éxito inmediato: antes siquiera de salir a la venta ya había conseguido disco de oro por pre-ventas en Finlandia. Debutó número 1 en las listas de 6 países europeos y solo en Finlandia vendió más de 100.000 copias en pocas semanas (triple platino). Al año siguiente, superó las 120.000 copias en su país natal, obteniendo cuádruple platino y situándose entre los 40 álbumes más vendidos de la historia finlandesa. En Estados Unidos alcanzó el puesto 84 del Billboard con más de 130.000 copias vendidas –una cifra notable para un grupo de metal sinfónico cantando principalmente en inglés–. El disco produjo sencillos exitosos como “Amaranth” y “Bye Bye Beautiful” (ambos con videoclips de alto presupuesto) y contiene piezas épicas aclamadas por los fans, como la suite inicial “The Poet and the Pendulum” de casi 14 minutos. Dark Passion Play representó un riesgo (cambiar de vocalista tras el enorme arraigo de Tarja), pero consolidó a Nightwish en una nueva etapa: la voz más pop-rock de Anette aportó frescura sin perder la esencia sinfónica y poderosa del grupo. Con este álbum, Nightwish demostró que podía renacer de sus cenizas y seguir liderando la escena del metal sinfónico a nivel mundial.

Más información: https://es.wikipedia.org/wiki/Dark_Passion_Play

2015 – W.A.S.P. lanza “Golgotha”, su 15º álbum de estudio

02 de octubre de 2015: La veterana banda estadounidense de heavy metal W.A.S.P. –liderada por Blackie Lawless– publica “Golgotha”, su decimoquinto álbum de estudio. Este disco rompió una sequía de seis años sin material nuevo desde Babylon (2009), siendo la espera más larga entre lanzamientos en la historia del grupo Golgotha aparece así como el fruto de un periodo de maduración y cambios internos: sería el último trabajo con el baterista Mike Dupke, quien abandonó la formación tras finalizar la grabación. Musicalmente, el álbum mantiene el estilo característico de W.A.S.P., mezclando heavy metal clásico con tintes épicos y temáticas reflexivas. De hecho, el título Golgotha (el nombre arameo del monte Calvario, donde según la Biblia fue crucificado Jesús) refleja la creciente inclinación espiritual de Blackie Lawless, quien en años recientes había expresado abiertamente su fe cristiana. En canciones como “Golgotha” (tema que cierra el disco, de más de 7 minutos) se perciben letras introspectivas sobre redención y sacrificio, poco habituales en los primeros años del grupo pero coherentes con la evolución personal de Lawless. Otros cortes destacados incluyen “Scream”, que abre el álbum con la agresividad y teatralidad marca de la casa, la melódica “Last Runaway” con ecos del hard rock ochentero, y la balada oscura “Miss You”, originalmente compuesta décadas atrás durante la era The Crimson Idol pero retomada aquí con emotividad renovada. Golgotha fue editado por el sello austriaco Napalm Records y recibió buena acogida entre los fanáticos, celebrando que la voz rasposa de Lawless y las guitarras afiladas de Doug Blair siguen vigentes. Si bien no pretendía competir en listas de éxitos, el álbum demostró la longevidad artística de W.A.S.P., una banda que tras más de 30 años de carrera aún tenía algo que decir. La formación en este disco la completaron Mike Duda en el bajo y el mencionado Mike Dupke en batería, dando solidez rítmica al inconfundible estilo de W.A.S.P.

Lista de canciones

N.º Título Duración
1. «Scream» 4:55
2. «Last Runaway» 5:20
3. «Shotgun» 6:08
4. «Miss You» 7:42
5. «Fallen Under» 4:57
6. «Slaves of the New World Order» 7:45
7. «Eyes of My Maker» 5:01
8. «Hero of the World» 4:52
9. «Golgotha» 7:37

Personal

Otros hechos y lanzamientos del 2 de octubre:

  • 1945: Nace el cantautor estadounidense Don McLean, recordado por su himno folk-rock “American Pie”, canción de 1971 dedicada al “día que murió la música” (en referencia al accidente aéreo que costó la vida a Buddy Holly y otros pioneros).

  • 1949: Nace Richard Hell (Richard Meyers), bajista, cantante y compositor estadounidense. Figura clave del movimiento punk neoyorquino de los 70, integró bandas como The Heartbreakers y Television, además de liderar The Voidoids.

  • 1950: Nace Mike Rutherford en Guildford, Inglaterra, cofundador, bajista y guitarrista de la banda de rock progresivo Genesis. Tras la era dorada de Genesis, formó el grupo de pop-rock Mike + The Mechanics en los 80.

  • 1951: Nace Sting (Gordon Matthew Sumner) en Wallsend, Inglaterra, vocalista y bajista de The Police –una de las bandas británicas más exitosas de fines de los 70 y comienzos de los 80– y posteriormente prolífico artista solista. Con The Police fusionó rock, pop y reggae en hits mundiales, mientras que en solitario exploró jazz, música céltica y otros estilos.

  • 1971: Nace James “Jim” Root, guitarrista estadounidense conocido por su trabajo en Slipknot (y ex miembro de Stone Sour). Root se unió a Slipknot en 1999 y ha contribuido con sus contundentes riffs y solos al sonido de la aclamada banda de metal de Iowa.

  • 1971: “Maggie May”, la célebre balada rock de Rod Stewart, alcanza el número 1 en las listas de Estados Unidos (ese mismo año también dominó las listas británicas). Este éxito consolidó la carrera solista de Stewart, alejándolo del sonido de su banda Faces y convirtiéndolo en superestrella global del rock.

  • 1989: Neil Young publica el álbum “Freedom”. Este disco marcó el resurgir creativo del cantautor canadiense tras una década irregular: incluye la poderosa “Rockin’ in the Free World”, tema que se convertiría en un clásico contemporáneo por su incisiva crítica social. Freedom fue aclamado por devolver a Young al primer plano del rock, mezclando baladas acústicas con descargas eléctricas al estilo de sus trabajos de los 70.

  • 2000: La banda española de rock Platero y Tú lanza “Correos”, su sexto y último álbum de estudio. El disco, con canciones como “Bajo la barra” o “Alucinante”, fue el canto de despedida del cuarteto bilbaíno: tras su publicación, Platero y Tú se disolvió al año siguiente. Sus miembros tomaron caminos diferentes (el cantante Fito Cabrales fundó Fito & Fitipaldis; Iñaki “Uoho” se unió a Extremoduro), dejando Correos como el broche final de una de las bandas fundamentales del rock urbano en España.

  • 2012: La banda británica Muse publica “The 2nd Law”, su sexto álbum de estudio. En este disco, Muse expandió su paleta sonora incorporando elementos electrónicos y dubstep (especialmente en el single “Madness”), sin perder su esencia de rock alternativo sinfónico. The 2nd Law debutó en lo más alto de las listas en varios países y consolidó a Muse como uno de los grupos de rock más importantes de la década de 2010.

  • 2017: Fallece Tom Petty a los 66 años, en Los Ángeles, tras sufrir un paro cardíaco Petty, líder de Tom Petty and the Heartbreakers y miembro del supergrupo Traveling Wilburys, fue uno de los músicos más queridos del rock estadounidense, con una carrera plagada de éxitos desde los años 70 (“American Girl”, “Free Fallin’”, “Learning to Fly”, entre muchos otros). Su muerte significó la pérdida de una leyenda cuyo legado perdura como influencia para generaciones de rockeros

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