Hoy cumplen años Sammy Hagar, histórico vocalista de Van Halen, y Joey Belladonna, voz clásica de Anthrax; The Beatles convierten el London Palladium en el epicentro de la Beatlemanía, The Who graba “My Generation” y The Jimi Hendrix Experience ofrece su primer concierto; AC/DC publica el incendiario “If You Want Blood (You’ve Got It)”, Queen lanza el doble sencillo “Bicycle Race” / “Fat Bottomed Girls”, KISS recupera su músculo con “Creatures of the Night” y Overkill firma una de las obras capitales del thrash con “The Years of Decay”.

Sammy Hagar, el Red Rocker

13 de octubre de 1947, nace Sammy Hagar en Salinas, California, Estados Unidos, vocalista, guitarrista y compositor conocido por su carrera en solitario, Montrose, Van Halen y Chickenfoot.

Samuel Roy Hagar nació el 13 de octubre de 1947 en Salinas, California, aunque pasó buena parte de su infancia y juventud en Fontana. Este detalle permite corregir un dato muy repetido que sitúa erróneamente su nacimiento en Monterey. Criado en un ambiente humilde, Hagar fue desarrollando desde muy joven su interés por la guitarra y el rock and roll, antes de convertirse en uno de los grandes frontmen del hard rock estadounidense. En este 13 de octubre de 2026 cumple 79 años y continúa siendo una figura activa de la escena.

Su primera gran etapa llegó con Montrose, banda formada alrededor del guitarrista Ronnie Montrose. Hagar cantó en los dos primeros discos del grupo, “Montrose” de 1973 y “Paper Money” de 1974. Especialmente el debut acabaría convirtiéndose en uno de los trabajos seminales del hard rock estadounidense de los setenta, con canciones como “Rock Candy”, “Bad Motor Scooter” o “Rock the Nation”. Tras abandonar el grupo, Sammy levantó una carrera en solitario que fue creciendo durante la segunda mitad de los setenta y primeros ochenta hasta alcanzar un nuevo nivel con canciones como “There’s Only One Way to Rock”, “I’ll Fall in Love Again” e “I Can’t Drive 55”.

El capítulo decisivo llegó en 1985. Tras la separación de David Lee Roth y Van Halen, Eddie Van Halen encontró en Hagar una voz radicalmente distinta: potente, melódica y capaz además de tocar la guitarra. La unión inauguró la etapa popularmente conocida como “Van Hagar”. Su primer álbum juntos, “5150”, publicado en 1986, llevó por primera vez a Van Halen al número uno de la lista estadounidense de álbumes. Le seguirían “OU812” en 1988, “For Unlawful Carnal Knowledge” en 1991 y “Balance” en 1995: los cuatro alcanzaron consecutivamente el número uno en Billboard.

Aquella formación produjo canciones fundamentales como “Why Can’t This Be Love”, “Dreams”, “Love Walks In”, “When It’s Love”, “Poundcake”, “Right Now” o “Can’t Stop Lovin’ You”. El sonido de Van Halen se hizo más amplio, con una presencia mayor de teclados y una vertiente melódica especialmente adaptada a la voz de Hagar, aunque sin abandonar la espectacular guitarra de Eddie. Las tensiones internas terminaron provocando la salida del cantante en 1996, pero Sammy regresaría temporalmente al grupo para una reunión y gira en 2004. Su pertenencia a Van Halen quedó reconocida también cuando la banda ingresó en el Rock and Roll Hall of Fame en 2007.

Después llegarían Chickenfoot, junto a Joe Satriani, Michael Anthony y Chad Smith, y más tarde Sammy Hagar & The Circle, prolongando una carrera que se resiste a convertirse en simple ejercicio nostálgico. Su relación musical con Michael Anthony, compañero durante la etapa de Van Halen, se ha mantenido especialmente sólida durante décadas. Hagar ha construido además una imagen de “Red Rocker” inseparable de su filosofía hedonista, los coches, Cabo San Lucas y una manera de entender el rock como celebración permanente.

Y la historia sigue abierta. Durante 2026 Hagar ha continuado llevando a los escenarios el espectáculo “Best of All Worlds”, acompañado por Michael Anthony, Joe Satriani y otros músicos, recuperando buena parte del repertorio de la etapa Hagar de Van Halen junto con canciones de Montrose y de su trayectoria en solitario. También prolongó su residencia de Las Vegas. A sus 79 años, Sammy sigue reivindicando sobre las tablas una carrera que abarca más de medio siglo y varios capítulos esenciales del hard rock estadounidense.

Joey Belladonna, la voz melódica del thrash

13 de octubre de 1960, nace Joey Belladonna en Oswego, Nueva York, vocalista de Anthrax y una de las voces más características de la historia del thrash metal.

Joseph Bellardini, conocido artísticamente como Joey Belladonna, nació el 13 de octubre de 1960 en Oswego, Nueva York. Por tanto, este 13 de octubre de 2026 cumple 66 años. Su incorporación a Anthrax en 1984 cambió decisivamente el perfil del grupo: frente al tipo de vocalista agresivo que terminaría predominando en buena parte del thrash, Belladonna aportaba una voz limpia, aguda y melódica, con influencias del heavy metal tradicional. Esa diferencia acabaría convirtiéndose en una de las grandes señas de identidad de Anthrax.

Su debut discográfico con la banda llegó con “Spreading the Disease”, en 1985. El álbum comenzó a definir el Anthrax clásico con canciones como “A.I.R.”, “Madhouse”, “Armed and Dangerous” y “Medusa”. Dos años después llegaría “Among the Living”, uno de los discos fundamentales del thrash estadounidense, con “Caught in a Mosh”, “Indians”, “I Am the Law”, “Efilnikufesin (N.F.L.)” y la canción que daba título al álbum. La combinación entre la voz de Belladonna, los riffs de Scott Ian y Dan Spitz, el bajo de Frank Bello y la batería de Charlie Benante creó una personalidad inmediatamente reconocible.

Con Belladonna al micrófono también aparecieron “State of Euphoria” en 1988 y “Persistence of Time” en 1990. Anthrax se convirtió durante ese periodo en una de las cuatro bandas asociadas al Big Four del thrash estadounidense, junto a Metallica, Slayer y Megadeth. Al mismo tiempo, su colaboración con Public Enemy en “Bring the Noise” ayudó a demostrar que las barreras entre metal y hip hop podían romperse mucho antes de que ese cruce se convirtiera en una tendencia comercial durante los años noventa.

Belladonna abandonó Anthrax en 1992 y fue sustituido por John Bush, iniciándose una etapa musicalmente distinta. Volvió durante la reunión de la formación clásica en 2005, volvió a alejarse y regresó definitivamente en 2010, justo a tiempo para los históricos conciertos del Big Four. Su vuelta quedó sellada en estudio con “Worship Music” en 2011 y “For All Kings”en 2016, demostrando que aquella voz que definió los ochenta todavía podía funcionar sobre un Anthrax moderno y más pesado.

Hay además una actualización importante respecto a la información que circulaba hasta hace poco: “For All Kings” ya no es el último disco de Anthrax. El 18 de septiembre de 2026 la banda publicó “Cursum Perficio”, su duodécimo álbum de estudio y el primero con material nuevo en una década, nuevamente con Joey Belladonna como vocalista junto a Scott Ian, Charlie Benante, Frank Bello y Jonathan Donais. La grabación de las voces volvió a realizarse con Jay Ruston, y el propio equipo de la banda ha destacado la capacidad de Belladonna para repetir tomas manteniendo potencia y precisión.

Así, Belladonna llega a su 66 cumpleaños en plena actualidad, no únicamente como custodio de los clásicos de Anthrax. Su gran aportación al thrash continúa siendo esa contradicción que siempre hizo diferente al grupo: música frenética, riffs abrasivos y mosh pits acompañados por una voz con más parentesco con el heavy metal melódico que con el grito extremo. Cuatro décadas después de su entrada en Anthrax, sigue siendo imposible imaginar canciones como “Indians”, “Caught in a Mosh” o “I Am the Law” sin su timbre.

Beatlemanía, The Who y el nacimiento en directo de Hendrix

13 de octubre de 1963, The Beatles actúan en “Sunday Night at the London Palladium” y su popularidad se transforma definitivamente en un fenómeno nacional.

Conviene corregir aquí una afirmación habitual: no fue el debut de The Beatles en la televisión británica. El grupo ya había realizado numerosas apariciones televisivas. Lo que ocurrió aquel 13 de octubre fue su debut en el prestigioso programa “Sunday Night at the London Palladium”, uno de los espacios de entretenimiento familiar más importantes del Reino Unido, y el momento en que el fenómeno que crecía alrededor de ellos pasó definitivamente de la prensa juvenil a la conversación nacional. La retransmisión reunió una audiencia estimada de unos 15 millones de espectadores.

John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr cerraron el programa interpretando “From Me to You”, “I’ll Get You”, “She Loves You” y “Twist and Shout”. Los gritos dentro del teatro y las escenas de fans en el exterior fueron recogidos por los informativos y la prensa del día siguiente. El término “Beatlemania” ya estaba empezando a circular, pero aquella emisión quedó asociada para siempre con su explosión mediática. Incluso la colección oficial “Anthology” conserva “I’ll Get You” procedente de aquella actuación.

13 de octubre de 1965, The Who graba “My Generation” en los IBC Studios de Londres.

Dos años después, otra banda británica escribía su propio capítulo de historia. The Who entró en los IBC Studios y grabó “My Generation”, composición de Pete Townshend que sería publicada como sencillo el 29 de octubre de 1965. Con Roger Daltrey escupiendo las palabras, John Entwistle firmando uno de los solos de bajo más célebres de la época, Keith Moon atacando la batería y Townshend convirtiendo la guitarra en un instrumento de confrontación, la canción alcanzó el número 2 en Reino Unido.

Más que una canción, “My Generation” terminó convirtiéndose en un manifiesto de la juventud británica de mediados de los sesenta. Su tartamudeo vocal, el diálogo entre voz y bajo y el aumento progresivo de intensidad siguen sonando desafiantes más de seis décadas después. Pocas grabaciones han resumido con tanta eficacia la ruptura generacional que alimentó al rock moderno. La sesión del 13 de octubre de 1965 es, por tanto, una de las efemérides verdaderamente importantes de esta fecha.

13 de octubre de 1966, The Jimi Hendrix Experience ofrece en Évreux, Francia, su primer concierto.

Un año más tarde aparecía otra revolución. Jimi Hendrix, recién llegado a Europa y acompañado por Noel Redding al bajo y Mitch Mitchell a la batería, debutó con The Jimi Hendrix Experience en el Club Novelty de Évreux, Francia. El trío formaba parte de una pequeña gira francesa encabezada por la estrella Johnny Hallyday. La ciudad conserva aquel acontecimiento como el primer concierto oficial de una formación que en cuestión de meses alteraría para siempre las posibilidades expresivas de la guitarra eléctrica.

La importancia histórica resulta enorme vista con perspectiva: Hendrix todavía no había publicado “Are You Experienced”, pero ya se encontraba construyendo junto a Redding y Mitchell el sonido que explotaría en 1967. Distorsión, feedback, psicodelia, blues y una presencia escénica incendiaria estaban a punto de convertirlo en referencia absoluta. Así, en tres 13 de octubre consecutivos separados apenas por unos años encontramos la expansión de The Beatles, la grabación de uno de los himnos de The Who y el nacimiento escénico de The Jimi Hendrix Experience.

AC/DC captura la furia de la era Bon Scott

13 de octubre de 1978, AC/DC publica en Reino Unido y Europa “If You Want Blood (You’ve Got It)”, su primer álbum en directo.

Pocos discos en vivo retratan a una banda con tanta precisión como “If You Want Blood (You’ve Got It)”. Publicado en Europa el 13 de octubre de 1978, fue el primer álbum en directo de AC/DC y se construyó fundamentalmente a partir del concierto ofrecido el 30 de abril de aquel año en el Apollo Theatre de Glasgow, durante la gira de “Powerage”. La propia discografía oficial de AC/DC destaca el carácter directo de aquella grabación y el hecho de haber sido registrada en la Escocia natal de Bon Scott.

La formación era extraordinaria: Bon Scott a la voz, Angus Young a la guitarra solista, Malcolm Young a la guitarra rítmica, Cliff Williams al bajo y Phil Rudd a la batería. Era una banda que había pasado años curtiéndose en pubs, salas y teatros y que comenzaba a estar preparada para el salto definitivo. El repertorio reúne material procedente de “High Voltage”, “Dirty Deeds Done Dirt Cheap”, “Let There Be Rock” y “Powerage”, condensando la primera etapa internacional del grupo.

El álbum abre con “Riff Raff” y no concede apenas descanso: “Hell Ain’t a Bad Place to Be”, “Bad Boy Boogie”, “The Jack”, “Problem Child”, “Whole Lotta Rosie”, “Rock ’n’ Roll Damnation”, “High Voltage”, “Let There Be Rock” y “Rocker”. Escuchado hoy, permite entender por qué AC/DC se ganó su reputación sobre el escenario antes incluso de que “Highway to Hell” y “Back in Black” multiplicaran sus ventas. Angus suena desatado, Malcolm funciona como una locomotora rítmica y Bon Scott convierte cada canción en una mezcla de amenaza, humor y celebración alcohólica.

También posee un valor documental especial porque fue el único álbum en directo oficial de AC/DC publicado durante la vida de Bon Scott. Harry Vanda y George Young, responsables de la producción de los primeros años de la banda, volvieron a encargarse del trabajo. Un año después AC/DC grabaría “Highway to Hell” con Robert John “Mutt” Lange, y en febrero de 1980 la muerte de Scott cerraría abruptamente aquella primera época. De este modo, “If You Want Blood” quedó como una fotografía sonora irrepetible.

Su grandeza reside precisamente en que no pretende convertir el directo en algo sofisticado. Frente a la tradición setentera del doble o triple álbum lleno de extensas improvisaciones, AC/DC entrega un disco compacto, violento y sin contemplaciones. El grupo todavía tenía mucho por conquistar, pero aquí ya estaban todos los ingredientes: el riff de Malcolm, el espectáculo guitarrístico de Angus, la base seca de Williams y Rudd y, al frente, un Bon Scott que parecía haber nacido para dominar una sala llena de gente.

Hoy “If You Want Blood (You’ve Got It)” suele figurar entre las grabaciones en vivo esenciales del hard rock y continúa siendo una de las mejores puertas de entrada al AC/DC anterior a Brian Johnson. El 13 de octubre de 1978 no salió simplemente un álbum en directo: quedó inmortalizada una de las bandas más feroces que podían pisar un escenario a finales de los setenta.

KISS vuelve a enseñar los dientes

13 de octubre de 1982, “Creatures of the Night” aparece en numerosas cronologías como la fecha de lanzamiento del décimo álbum de estudio de KISS.

Hay aquí una pequeña precisión discográfica que merece conservarse. El 13 de octubre de 1982 es la fecha que ofrecen actualmente catálogos como Apple Music y diversas cronologías de KISS; sin embargo, documentación especializada de archivo sitúa la distribución física estadounidense el 25 de octubre. Lo indiscutible es que “Creatures of the Night” pertenece a octubre de 1982. Por eso puede mantenerse en las rockfemérides del 13, pero conviene evitar presentar la fecha como absolutamente uniforme para todos los mercados.

Musicalmente, “Creatures of the Night” fue mucho más importante que esa discusión de calendario. Después de los experimentos pop, disco y conceptuales de “Dynasty”, “Unmasked” y, especialmente, “Music from ‘The Elder’”, KISS decidió recuperar el hard rock pesado y directo. El resultado fue uno de los discos más duros de su catálogo, con una producción enorme en las baterías de Eric Carr y guitarras más agresivas que en sus trabajos inmediatamente anteriores. Universal, al celebrar su cuadragésimo aniversario, lo describió precisamente como el regreso de KISS a sus raíces hard rock.

La situación interna era, sin embargo, bastante menos estable de lo que sugería la portada. Ace Frehley aparecía fotografiado como miembro del grupo, pero no tocó en el álbum. Paul Stanley, Gene Simmons y Eric Carr recurrieron a distintos guitarristas de estudio. Entre ellos estuvieron Vinnie Vincent, que terminaría integrándose en KISS, y Robben Ford, responsable de solos en “Rock and Roll Hell” e “I Still Love You”. La imagen clásica todavía se mantenía ante el público mientras, detrás de ella, la formación ya estaba cambiando.

El álbum incluye “Creatures of the Night”, “Saint and Sinner”, “Keep Me Comin’”, “Rock and Roll Hell”, “Danger”, “I Love It Loud”, “I Still Love You”, “Killer” y “War Machine”. “I Love It Loud” acabaría transformándose en uno de los himnos modernos de KISS, mientras “War Machine” y la canción título se mantendrían durante décadas en el repertorio en directo. “Killer” fue además una de las primeras composiciones en las que apareció acreditado Vinnie Vincent, anticipando su papel en la siguiente etapa.

El problema fue que la recuperación artística no se tradujo inmediatamente en una recuperación comercial. En Estados Unidos el álbum llegó únicamente al número 45 del Billboard 200 y tardó años en alcanzar la certificación de oro; en Reino Unido alcanzó el puesto 22. La posterior gira también mostró que KISS había perdido buena parte del enorme impulso comercial que había poseído en los setenta.

Paradójicamente, el tiempo terminó jugando a favor del disco. “Creatures of the Night” es hoy mucho más apreciado que en 1982 y representa el puente entre el KISS maquillado de los años setenta y la banda que, en 1983, se quitaría públicamente el maquillaje para iniciar otra etapa. La batería gigantesca de Eric Carr, el tono oscuro y la dureza de sus guitarras lo convierten en una anomalía fascinante dentro de la discografía del grupo.

El thrash y el metal se apoderan de la fecha

13 de octubre de 1987, Sacred Reich publica “Ignorance”, su primer álbum de estudio.

El debut de Sacred Reich merece entrar en la selección ampliada. El propio archivo oficial de la banda fecha “Ignorance” el 13 de octubre de 1987. Publicado originalmente por Metal Blade, situó al grupo de Phoenix dentro de la gran expansión del thrash estadounidense con temas como “Death Squad”, “Victim of Demise”, “No Believers”, “Administrative Decisions” y la propia “Ignorance”. Frente a otras bandas volcadas en la fantasía o el satanismo, Sacred Reich desarrolló desde muy pronto una marcada preocupación social y política.

13 de octubre de 1989, Overkill publica “The Years of Decay”, su cuarto álbum de estudio.

“The Years of Decay” es uno de los grandes discos de Overkill y una obra esencial de la escuela de thrash de la Costa Este estadounidense. Publicado por Megaforce/Atlantic, fue grabado en 1989 y producido por la propia banda junto a Terry Date, productor que posteriormente desarrollaría una relación fundamental con grupos como Pantera, Soundgarden y Deftones. También fue el último álbum de Overkill con el guitarrista Bobby Gustafson.

La banda amplió considerablemente su lenguaje. Junto a ataques veloces como “Elimination” aparecieron composiciones extensas y oscuras como “Skullkrusher”, “Playing With Spiders/Skullkrusher”, “Who Tends the Fire” y la magnífica canción título. El disco mostraba que el thrash podía ralentizarse, introducir pasajes casi doom y construir estructuras largas sin perder agresividad. Bobby “Blitz” Ellsworth estaba en plena forma vocal y la sección rítmica de D.D. Verni y Sid Falck aportaba el empuje característico del Overkill clásico.

“Elimination” se convirtió en una de las canciones más reconocibles del grupo y encontró difusión en programas especializados como “Headbangers Ball”. El álbum alcanzó el número 155 del Billboard 200 y, pese a no competir comercialmente con los gigantes del Big Four, fue aumentando su prestigio con los años hasta quedar considerado uno de los puntos culminantes de la discografía de Overkill.

Hay además un dato de la versión del año pasado que merece corregirse: no resulta prudente repetir la cifra de más de cuatro millones de copias vendidas mundialmente, porque no aparece respaldada por documentación discográfica sólida. Es mucho más fiable hablar de su influencia, su entrada en el Billboard 200 y la consideración que ha adquirido entre seguidores y crítica. Su importancia histórica no necesita una cifra dudosa para ser defendida.

Y aquel 13 de octubre de 1989 todavía guardaba otra joya: Voivod publicó “Nothingface”, su quinto álbum de estudio. La propia banda lo fecha oficialmente ese día. El grupo canadiense llevó allí su thrash mutante hacia territorios progresivos, disonantes y psicodélicos, incorporando estructuras cada vez más complejas e incluso una versión de “Astronomy Domine” de Pink Floyd. “Nothingface” confirmó que, mientras unos grupos endurecían el thrash, Voivod estaba ocupado en desmontarlo y reconstruirlo desde dentro.

13 de octubre de 2008, Yngwie J. Malmsteen publica Perpetual Flame.

Es el decimosexto álbum de estudio del virtuoso guitarrista sueco (acreditado a Yngwie Malmsteen’s Rising Force). El disco salió a la venta el 13 de octubre de 2008 en Europa (y un día después en EE.UU. y Canadá). Fue el primer álbum de Malmsteen desde Unleash the Fury(2005) y marcó el debut en su banda del cantante Tim «Ripper» Owens (ex vocalista de Judas Priest e Iced Earth). También participó el reconocido Derek Sherinian en los teclados. Perpetual Flame fue producido por el propio Malmsteen (quien además actuó como ingeniero de sonido), mezclado por Roy Z (productor ligado a Bruce Dickinson y Halford) y masterizado por Maor Appelbaum. Varias canciones del disco tuvieron repercusión más allá de la audiencia habitual de Malmsteen: por ejemplo, los temas «Red Devil», «Damnation Game» y «Caprici di Diablo» fueron lanzados como contenido descargable para los videojuegos Rock Band y Rock Band 2 en noviembre de 2008, acercando la música de Yngwie a una nueva generación de jugadores.

El álbum contiene algunas particularidades: la versión japonesa omitió el tema «Four Horsemen (Of the Apocalypse)»; además, en el libreto original aparecía impresa la letra de una canción titulada «Tide of Desire» que finalmente no fue incluida (Malmsteen aclaró en entrevistas que fue un error de imprenta, y que dicho tema se lanzó posteriormente en su álbum Relentless de 2010). Otra curiosidad es que hubo cierta confusión con el título de la pista «Eleventh Hour»: en la contraportada del CD aparecía escrita como «Leventh Hour», mientras que en los créditos internos figuraba como «La undécima hora» (en inglés correcto debería ser Eleventh Hour). Estos detalles fueron subsanados en re-ediciones posteriores. En cuanto a la recepción, Perpetual Flame obtuvo críticas generalmente positivas. El crítico Greg Prato (AllMusic) destacó que desde los tiempos de Jeff Scott Soto (primer vocalista de Malmsteen en los 80), Yngwie no había trabajado con un cantante de tanto dinamismo, y que el resultado en Perpetual Flame era el mejor disco de Malmsteen en bastante tiempo.

Otras efemérides del 13 de octubre

• • 13 de octubre de 1941: nace Paul Simon en Newark, Nueva Jersey. Compositor de Simon & Garfunkel y responsable de obras como “The Sound of Silence”, “The Boxer”, “Bridge Over Troubled Water” o, ya en solitario, “Graceland”. En 2026 cumple 85 años.
  • 13 de octubre de 1944: nace Robert Lamm en Brooklyn, Nueva York, teclista, cantante, compositor y miembro fundador de Chicago. Es autor o coautor de clásicos como “25 or 6 to 4”, “Beginnings” y “Saturday in the Park”. Cumple 82 años.
  • 13 de octubre de 1976: la banda canadiense Triumph publica su álbum debut homónimo, posteriormente reeditado con el título “In the Beginning”. Rik Emmett, Gil Moore y Mike Levine comenzaban así una de las carreras más importantes del hard rock canadiense.
  • 13 de octubre de 1978: Queen publica en Reino Unido el doble lado A “Bicycle Race” / “Fat Bottomed Girls”, compuesto respectivamente por Freddie Mercury y Brian May. El single alcanzaría el número 11 británico. La famosa carrera promocional de mujeres desnudas en bicicleta había sido organizada unas semanas antes.
  • 13 de octubre de 1987: Sacred Reich publica “Ignorance”, debut fundamental del thrash de Arizona y uno de los discos que definieron la vertiente social y política del grupo.
  • 13 de octubre de 1989: Ace Frehley publica “Trouble Walkin’”, con colaboraciones de Peter Criss y músicos de Skid Row. La efeméride tiene hoy un carácter especialmente emotivo: Frehley falleció el 16 de octubre de 2025, tres días después de cumplir el aniversario de este álbum.
  • 13 de octubre de 1989: Voivod publica “Nothingface”, uno de los trabajos más aventurados de su carrera y una referencia fundamental en la evolución del metal progresivo y experimental.
  • 13 de octubre de 1992: Izzy Stradlin, ya fuera de Guns N’ Roses, publica “Izzy Stradlin and the Ju Ju Hounds”, debut de su nueva banda y regreso a un rock and roll directo, con ecos de The Rolling Stones y Faces.
  • 13 de octubre de 2016: la Academia Sueca concede a Bob Dylan el Premio Nobel de Literatura, reconociendo la creación de nuevas expresiones poéticas dentro de la tradición de la canción estadounidense. Fue uno de los acontecimientos que más intensamente reabrió el debate sobre la letra de una canción como literatura.
  • 13 de octubre de 2017: Fozzy publica “Judas”, su séptimo álbum. La canción titular se transformó en el mayor himno de la banda y acabó inseparablemente asociada a Chris Jericho como música de entrada en la lucha libre profesional.
  • 13 de octubre de 2017: Enslaved publica “E”, su decimocuarto álbum, profundizando en la combinación de black metal, metal progresivo, psicodelia y atmósferas nórdicas que ha definido su evolución. Fue además el primer álbum de estudio con Håkon Vinje aportando teclados y voces limpias.
  • 13 de octubre de 2017: L.A. Guns publica “The Missing Peace”, un disco especialmente importante porque volvió a reunir creativamente al guitarrista Tracii Guns y al vocalista Phil Lewis tras años de caminos separados, recuperando buena parte del espíritu clásico de la banda.