El 13 de marzo concentra una notable cantidad de momentos definitorios para el rock. Nacieron cantantes que luego marcarían generaciones —como David Draiman y Fito Páez—, se publicó uno de los discos más influyentes del rock urbano español y se produjeron giros que alterarían el curso de bandas legendarias. 

13 de marzo de 1973, nace David Draiman en Flatbush, Nueva York, USA, vocalista de Disturbed y Device.

David Michael Draiman (Nueva York, 13 de marzo de 1973) es un cantante estadounidense conocido mundialmente por ser el vocalista y principal figura de la banda de heavy metal Disturbed. Nació en el barrio de Flatbush, en Brooklyn, dentro de una familia judía ortodoxa, y durante su infancia recibió una educación religiosa muy estricta. Pasó parte de su juventud estudiando en escuelas religiosas e incluso llegó a plantearse una carrera como rabino, aunque finalmente se inclinó por la música.

Durante su adolescencia desarrolló un gran interés por el rock y el heavy metal. Entre los primeros discos que compró se encuentra Destroyer de Kiss, una obra que, según el propio Draiman, despertó definitivamente su pasión por la música. Entre sus influencias iniciales figuran bandas fundamentales como Black Sabbath, Metallica, Iron Maiden, Pantera y Queensrÿche. También ha mencionado que escuchaba grupos de punk y new wave como Sex Pistols, The Ramones, The Misfits, The Smiths o The Cure, y que la explosión del grunge en los años noventa —con bandas como Nirvana, Soundgarden y Alice in Chains— también tuvo un impacto importante en su desarrollo musical.

Antes de dedicarse profesionalmente a la música, Draiman estudió ciencias políticas y administración de empresas en la Universidad Loyola de Chicago. Tras graduarse llegó a trabajar en el ámbito de la sanidad como administrador de un centro médico, pero en 1996 respondió a un anuncio de audición de una banda de Chicago llamada Disturbed. Su potente voz y su presencia escénica convencieron inmediatamente al grupo, que lo incorporó como vocalista.

Con Draiman al frente, Disturbed publicó en el año 2000 su álbum debut The Sickness, un disco clave del nu metal que incluía temas como “Down with the Sickness”, “Stupify” o “Voices”. El álbum fue un éxito inmediato y terminó vendiendo varios millones de copias, convirtiendo a la banda en una de las formaciones más populares del metal moderno. Su estilo vocal —que combina melodías limpias, rugidos agresivos y su característico fraseo rítmico— se convirtió rápidamente en una de las señas de identidad del grupo.

A lo largo de su carrera con Disturbed, Draiman ha demostrado una notable versatilidad vocal. En Believe (2002) exploró un registro más melódico y emocional; Ten Thousand Fists (2005) mostró una gran variedad de tonos y matices; Indestructible (2008) recuperó la agresividad de los primeros años; y en Asylum (2010) apostó por un enfoque más oscuro y grave. Esta capacidad de adaptación ha sido una de las claves de la longevidad de la banda.

Además de su trabajo con Disturbed, Draiman ha participado en diversos proyectos paralelos. En 2013 fundó el grupo Device junto al guitarrista Geno Lenardo (ex Filter), con el que publicó un álbum homónimo que contó con colaboraciones de músicos como Serj Tankian, M. Shadows (Avenged Sevenfold), Glenn Hughes o Tom Morello. También participó junto a artistas como Jonathan Davis, Wayne Static, Chester Bennington o Marilyn Manson en la banda sonora de la película Queen of the Damned.

Con el paso de los años, David Draiman se ha consolidado como una de las voces más reconocibles del metal contemporáneo. Su peculiar estilo vocal, su presencia carismática en el escenario y su capacidad para alternar agresividad y melodía lo han situado entre los cantantes más influyentes de su generación. No en vano, fue incluido en la lista de los cien mejores vocalistas del heavy metal elaborada por la revista Hit Parader.

13 de marzo de 1978, se publica el primer disco de Asfalto, de título homónimo.

El 13 de marzo de 1978 se editaba Asfalto, el primer álbum de la banda madrileña del mismo nombre y uno de los discos más influyentes en la historia del rock español. Su publicación marcó un punto de inflexión para el rock hecho en castellano, ya que ayudó a consolidar el llamado rock urbano, un movimiento que empezaba a tomar forma en la España de la Transición. Además, el disco inauguró el catálogo del sello Chapa Discos, dirigido por el periodista y productor Vicente “Mariscal” Romero, una plataforma que resultaría esencial para el desarrollo del rock nacional durante los años siguientes.

La historia de Asfalto se remonta a comienzos de los años setenta. El germen del grupo se encuentra en el trío Tickets, formado por José Luis Jiménez, Lele Laina y Enrique Cajide, que en 1970 grabaron un único single con una canción compuesta por Vainica Doble. En 1972 el grupo adoptó el nombre de Asfalto y publicó algunos sencillos producidos por Manolo Díaz, aunque todavía con un sonido más cercano al pop rock de la época. La formación definitiva se consolidó en 1974 con la incorporación del guitarrista Julio Castejón, quedando establecida la alineación clásica: José Luis Jiménez (bajo y voz), Lele Laina (guitarra y voz), Julio Castejón (guitarra) y Enrique Cajide (batería).

Antes de grabar su primer álbum, la banda sobrevivía actuando en directo y realizando trabajos alimenticios, como la grabación en 1976 de una casete con versiones de The Beatles destinada a las gasolineras. Aquella curiosa grabación, que con el tiempo se convertiría en una pieza de coleccionismo, permitió al grupo seguir adelante mientras desarrollaba su propio repertorio.

Cuando finalmente entraron a grabar su debut, en noviembre de 1977, lo hicieron en los estudios Audiofilm de Madrid con un presupuesto muy limitado. La producción estuvo a cargo de Vicente Romero “Mariscal”, con Santiago Lardies como técnico de sonido. Las prisas y la falta de experiencia en el estudio dieron como resultado un sonido algo crudo y desordenado que inicialmente decepcionó al grupo. Sin embargo, con el paso del tiempo ese carácter directo y sin artificios acabaría convirtiéndose en parte esencial de su encanto.

El álbum contiene algunas de las canciones más emblemáticas del rock español. Temas como “Capitán Trueno”, “Ser urbano”, “Días de escuela”, “Rocinante”, “La isla del amor” o “Todos los días” capturan el espíritu de una generación que comenzaba a descubrir la libertad tras décadas de dictadura. Musicalmente, el disco mezcla rock clásico con elementos progresivos, arreglos vocales elaborados y ciertos matices sinfónicos, todo ello envuelto en letras que combinan nostalgia, crítica social y una mirada romántica hacia la vida urbana.

Gran parte del repertorio fue compuesto por José Luis Jiménez, cuya sensibilidad como autor aportó al grupo un tono lírico y reflexivo muy particular. Sin embargo, la banda funcionaba de manera democrática y tanto Lele Laina como Julio Castejón también contribuyeron con composiciones destacadas. El resultado fue un álbum sorprendentemente variado que combinaba pasajes de rock duro con momentos más melódicos y cercanos al folk o al rock progresivo.

A pesar de sus limitaciones técnicas, Asfalto logró conectar profundamente con el público y se convirtió en un disco de culto. Su impacto fue tal que ayudó a abrir las puertas a toda una generación de bandas que comenzarían a cantar rock en castellano con naturalidad. El sello Chapa, que arrancó precisamente con este álbum, acabaría editando discos de grupos fundamentales como Leño, Ñu, Cucharada, Burning, Barón Rojo, Bloque o Topo, contribuyendo decisivamente a la consolidación del rock español en los años ochenta.

Con el paso del tiempo, el debut de Asfalto ha sido reivindicado como una de las obras fundacionales del rock urbano español. Más de cuatro décadas después de su publicación, canciones como “Días de escuela” o “Capitán Trueno” siguen siendo auténticos himnos del rock nacional y un testimonio del momento en que el rock en castellano encontró definitivamente su propia voz.

Este día también marcó un punto de inflexión para el blues rock británico. El 13 de marzo de 1965, Eric Clapton decidió abandonar The Yardbirds cuando la banda se apartó del blues hacia un pop más comercial con su éxito “For Your Love”. Clapton, entonces de dieciocho años, recomendó a su amigo Jimmy Page como sustituto, pero el grupo terminó contratando a Jeff Beck. La sucesión de guitarristas en The Yardbirds —primero Beck y más tarde Page— derivó en una auténtica partida de ajedrez que culminaría años después con la formación de Led Zeppelin, cimentando la reputación de los tres músicos como referentes de la guitarra eléctrica. El gesto de Clapton aquel día no solo reorientó su propia carrera, sino que influyó en el desarrollo del rock británico.

Un 13 de marzo de 1977, Iggy Pop daba el pistoletazo de salida a la etapa norteamericana de la gira de su primer disco en solitario, The Idiot. Tras seis conciertos europeos, la caravana desembarcó en el Le Plateau Auditorium de Montreal con una banda de lujo: David Bowie se encargaba de los teclados y coros, Ricky Gardiner de la guitarra y los hermanos Tony y Hunt Sales de la sección rítmica. Para las fechas canadienses y estadounidenses los teloneros serían Blondie. El repertorio mezclaba clásicos de The Stooges como “Raw Power”, “I Wanna Be Your Dog” y “Search and Destroy” con material nuevo como “Sister Midnight” y “China Girl”. Esta colaboración entre Pop y Bowie, gestada en el ambiente creativo de Berlín, fue clave para la reinvención artística del cantante y consolidó un vínculo que se extendería a discos como Lust for Life.

También el 13 de marzo de 1963 vio nacer en Rosario, Argentina, a Rodolfo Páez Ávalos, conocido como Fito Páez. Pianista desde los siete años, Páez irrumpió en la escena argentina con su álbum debut Del 63 y se consagró internacionalmente con El amor después del amor, cuyo tema homónimo se convirtió en un himno latinoamericano. Su propuesta fusiona rock con pop, tango y folclore argentino, y aborda temas como el amor, la política y la identidad con letras poéticas y profundas. A lo largo de más de dos décadas ha publicado una veintena de álbumes, colaborado con artistas de diversos géneros y ganado premios como los Grammy Latinos y el Konex de Platino, consolidándose como uno de los letristas más influyentes de la música en español.

13 de marzo de 1995: Faith No More publica King for a Day… Fool for a Lifetime, su quinto álbum de estudio.

El 13 de marzo de 1995 la banda estadounidense Faith No More lanzó King for a Day… Fool for a Lifetime, su quinto álbum de estudio y uno de los trabajos más arriesgados y eclécticos de toda su carrera. Publicado por los sellos Slash y Reprise Records, el disco llegaba en un momento de transición para el grupo y supuso un cambio importante en su sonido tras el enorme impacto de Angel Dust (1992), un álbum que había consolidado definitivamente su prestigio dentro del metal alternativo.

Uno de los factores clave que marcaron este trabajo fue la salida del guitarrista Jim Martin, miembro histórico de la banda desde sus primeros años. Martin abandonó el grupo durante la preparación del álbum debido a tensiones internas y diferencias creativas. Para ocupar su lugar, Faith No More recurrió a Trey Spruance, guitarrista de Mr. Bungle y colaborador habitual del vocalista Mike Patton. Aunque Spruance participó en la grabación del disco, nunca llegó a girar con la banda tras su publicación.

La grabación tuvo lugar en los estudios Bearsville de Nueva York durante 1994, con la producción de Andy Wallace —conocido por su trabajo con bandas como Nirvana o Slayer— junto al propio grupo. Durante el proceso, la banda también atravesó momentos complicados, incluido un accidente de tráfico que afectó a varios miembros y el alejamiento temporal del teclista Roddy Bottum, quien se encontraba atravesando una difícil situación personal tras la muerte de su pareja.

Musicalmente, King for a Day… Fool for a Lifetime es probablemente el disco más diverso de Faith No More. Si Angel Dust ya había mostrado una banda dispuesta a romper los límites del metal alternativo, este álbum llevó esa idea todavía más lejos. El disco mezcla sin complejos heavy metal, funk, punk, jazz, soul, música latina, hard rock e incluso elementos de música lounge y pop. Esta diversidad estilística convirtió al álbum en una obra imprevisible que rompía constantemente las expectativas del oyente.

El álbum se abre con “Get Out”, una explosión de hardcore que dura poco más de un minuto y medio, para pasar inmediatamente a “Ricochet”, un tema más accesible que se convertiría en uno de los sencillos principales del disco. Otros cortes destacados incluyen “Digging the Grave”, probablemente la canción más cercana al sonido alternativo de la banda en aquella época, “Evidence”, una sorprendente pieza de soul y jazz con influencias latinas, o “The Gentle Art of Making Enemies”, una de las canciones más agresivas del álbum.

A lo largo del disco, Mike Patton vuelve a demostrar su extraordinaria versatilidad vocal, alternando registros agresivos, melódicos y experimentales con total naturalidad. La base instrumental formada por Billy Gould (bajo), Mike Bordin (batería) y Roddy Bottum (teclados) mantiene la característica mezcla de groove y contundencia que siempre ha distinguido a Faith No More, mientras que las guitarras de Trey Spruance aportan una textura distinta respecto a los trabajos anteriores de la banda.

Aunque el álbum recibió críticas positivas por su valentía artística, también generó cierta división entre los seguidores del grupo debido a su carácter tan experimental. Comercialmente tuvo un rendimiento menor que su predecesor, aunque logró buenas posiciones en las listas europeas y consolidó la reputación de Faith No More como una de las bandas más innovadoras de los años noventa.

Con el paso del tiempo, King for a Day… Fool for a Lifetime ha sido reivindicado como una obra clave dentro del metal alternativo de los noventa y un ejemplo de la libertad creativa que definió la carrera de Faith No More. Su mezcla de estilos, su espíritu imprevisible y la personalidad de sus canciones lo convierten en uno de los discos más singulares del catálogo de la banda.

13 de marzo de 2012: la banda de death metal Cannibal Corpse publica Torture, su duodécimo álbum de estudio.

El 13 de marzo de 2012 la legendaria banda estadounidense de death metal Cannibal Corpse publicó Torture, su duodécimo álbum de estudio y una nueva demostración de la longevidad y brutalidad que ha caracterizado al grupo desde finales de los años ochenta. Editado por el sello Metal Blade Records, el disco llegó más de dos décadas después del debut de la banda y reafirmó su posición como una de las formaciones más influyentes y consistentes dentro del death metal extremo.

Formados en Buffalo, Nueva York, en 1988, Cannibal Corpse se había consolidado para entonces como una auténtica institución del metal extremo. A lo largo de su carrera han destacado por su velocidad, agresividad sonora y por las temáticas macabras y explícitas de sus letras, que convirtieron al grupo en una de las bandas más controvertidas del género. Sin embargo, también se han ganado el respeto del público y la crítica por su capacidad para mantener un nivel técnico y compositivo muy alto durante décadas.

Torture fue producido por Erik Rutan, guitarrista de Hate Eternal y productor habitual de la banda desde finales de los años 2000. Rutan ya había trabajado con Cannibal Corpse en los álbumes Kill (2006) y Evisceration Plague (2009), ayudando a modernizar el sonido del grupo sin perder su esencia brutal. Bajo su producción, Torture presenta una mezcla muy potente y definida que resalta tanto la velocidad de la batería como la contundencia de las guitarras.

La formación que grabó el álbum estaba compuesta por George “Corpsegrinder” Fisher en la voz, Alex Webster al bajo, Paul Mazurkiewicz en la batería y los guitarristas Pat O’Brien y Rob Barrett. Este quinteto llevaba ya varios discos trabajando juntos, lo que se reflejó en una gran cohesión musical y en un sonido extremadamente compacto.

Musicalmente, Torture mantiene la identidad clásica del grupo pero con un enfoque particularmente directo y violento. El álbum combina riffs veloces con secciones más pesadas y grooves muy marcados. Canciones como “Demented Aggression”, “Scourge of Iron”, “Encased in Concrete” o “Followed Home Then Killed” se convirtieron rápidamente en favoritas del público y demostraron que la banda seguía siendo capaz de crear material devastador incluso después de más de veinte años de carrera.

Uno de los aspectos más destacados del disco es el trabajo vocal de George “Corpsegrinder” Fisher, cuyo registro gutural profundo y extremadamente potente se ha convertido en una de las señas de identidad del grupo desde que sustituyó a Chris Barnes en 1995. Su interpretación en Torture muestra una intensidad constante y una gran precisión rítmica, encajando perfectamente con la complejidad instrumental de la banda.

El álbum fue recibido muy positivamente por los seguidores del death metal y alcanzó algunas de las mejores posiciones en listas que la banda había conseguido hasta ese momento. En Estados Unidos llegó al puesto 38 del Billboard 200, un logro notable para un disco de death metal extremo, lo que reflejaba el crecimiento constante de la base de seguidores del grupo.

Con Torture, Cannibal Corpse demostró que seguían siendo una fuerza imparable dentro del metal extremo. Más de veinte años después de su formación, la banda continuaba publicando discos brutalmente efectivos, consolidando su estatus como una de las agrupaciones más importantes y respetadas en la historia del death metal.

Otras efemérides del 13 de marzo

• 1965: además de la salida de Clapton, ese año The Yardbirds contrataron a Jeff Beck y, posteriormente, a Jimmy Page, catalizando el nacimiento de Led Zeppelin.

• 1977: el concierto de Iggy Pop en Montreal inició la etapa norteamericana de la gira de The Idiot con David Bowie en los teclados y Blondie como banda telonera.

• 1980: el álbum The Wall de Pink Floyd fue certificado simultáneamente oro y platino por la RIAA mientras dominaba las listas estadounidenses.

• 1984: The Cars lanzaron Heartbeat City, producido por Mutt Lange; el álbum adoptó un sonido más pulido y generó cinco sencillos que entraron en el Top 40, incluidos “You Might Think” y “Drive”.

• 1987: Bob Seger & the Silver Bullet Band recibieron una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

• 1993: el álbum Unplugged de Eric Clapton alcanzó el número 1 en la lista estadounidense y ganó tres premios Grammy, incluido Grabación del Año.

• 2001: Eric Clapton lanzó su álbum Reptile, co-producido con Simon Climie; alcanzó los primeros puestos en veinte países y contó con músicos como Nathan East, Steve Gadd y la banda vocal The Impressions.

• 2006: Lynyrd Skynyrd fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll durante la ceremonia del 13 de marzo en Nueva York, formando parte de un elenco que también honró a Black Sabbath, Blondie, Miles Davis y los Sex Pistols.