Un día como hoy tiene lugar histórico concierto de Johnny Cash en la cárcel de Folsom, el Rainbow Concert que reinició la carrera de Eric Clapton, y los lanzamientos de Epica (Kamelot), Hordes of Chaos (Kreator) y Healed by Metal (Grave Digger) marcan esta jornada; nacen Wayne Coyne y Daevid Allen, y recordamos la pérdida de Sylvain Sylvain y Tim Bogert.

El día que Johnny Cash humanizó el country desde la cárcel de Folsom

El 13 de enero de 1968 ocurrió uno de los conciertos más legendarios de la historia musical: Johnny Cash se presentó ante más de 2 000 reclusos en la Folsom State Prison, California, para grabar lo que se convertiría en uno de los álbumes en vivo más influyentes de todos los tiempos: At Folsom Prison. Este registro no solo impulsó de nuevo la carrera de Cash, que venía en declive por problemas personales y profesionales, sino que transformó el modo en que la música country —y por extensión el rock y otros géneros populares— podía conectar con las realidades de los marginados de la sociedad.

En las décadas previas, Cash ya había consolidado su imagen de “hombre de negro” que hablaba por los olvidados y los “perdedores”, pero con esta actuación en la prisión llevó ese personaje mucho más lejos. La idea de tocar en un penal se gestó después de que su exitosa canción Folsom Prison Blues (1955) le mostrara cuán profundamente podían identificarse los prisioneros con sus letras, escritas desde el punto de vista de un reo atrapado tras las rejas.

Aquella jornada en Folsom no fue un simple concierto: Cash ofreció dos shows completos para asegurar una buena grabación, uno por la mañana y otro al mediodía, y mostró empatía y respeto por la audiencia detrás de los muros. Su banda The Tennessee Three, su futuro colaborador Carl Perkins, la voz de June Carter y los coros de The Statler Brothers acompañaron cada interpretación, muchas de ellas centradas en temáticas de prisión, desesperación, injusticia y redención. Canciones como The Wall, 25 Minutes to Go, Green, Green Grass of Home y el propio himno Folsom Prison Blues resonaron con fuerza entre los reclusos, que incluso influyeron en la grabación al ofrecer su respuesta visceral al repertorio.

El álbum nacido de esas grabaciones, At Folsom Prison, sería publicado más tarde ese año y rejuveneció la carrera de Cash por completo. Fue su primer álbum en vivo y una de sus mayores ventas, alcanzando el número uno en las listas de country y situándose también en las listas generales de álbumes con muy buenas posiciones. La versión en vivo de Folsom Prison Blues llegó al número uno en canciones de country y se convirtió en su primer gran éxito desde 1964. El álbum también fue reconocido con premios Grammy e impulsó a Cash a grabar otras presentaciones en prisiones, como At San Quentin en 1969.

Más allá de las cifras, la importancia de este concierto radica en su impacto cultural y simbólico. Cash no solo llevó música a un lugar donde pocos artistas mainstream se atrevían a actuar, sino que lo hizo de frente, sin prejuicios, mostrando empatía y dignidad hacia personas recluidas. El álbum sigue siendo considerado uno de los grandes álbumes en vivo de la música del siglo XX y una obra que cruzó barreras entre géneros —desde el country tradicional hasta el folk y el rock— por su honestidad y crudeza emocional. At Folsom Prison fue incluso incluido en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso por su importancia histórica.

Así, un día como hoy Johnny Cash no solo revitalizó su carrera, sino que también humanizó para siempre a los olvidados de la sociedad a través de su música, entregando una obra que ha influido a generaciones de músicos y seguidores por igual.

El regreso de Clapton: Rainbow Concert en Londres (1973)

El 13 de enero de 1973 se celebraron dos conciertos benéficos en el Rainbow Theatre de Londres para ayudar a Eric Clapton a superar su adicción y volver a los escenarios. La iniciativa partió de Pete Townshend, guitarrista de The Who, quien convocó a amigos como Ronnie Wood, Steve Winwood, Jim Capaldi y Rick Grech. El portal Where’s Eric! relata que aquellos conciertos formaban parte de la campaña “Fanfare for Europe” y que se grabaron dos actuaciones, una por la tarde y otra por la noche, con entradas agotadas. Las actuaciones, más tarde editadas como álbum en directo, sirvieron para resucitar la carrera de Clapton y demostraron que el bluesman seguía siendo una fuerza viva del rock pese a sus problemas personales.

13 de enero de 1973, se lanza en USA «Who Do We Think We Are«, el el séptimo álbum de Deep Purple.

Who Do We Think We Are? —en español: Quién Nos Creemos Que Somos?— es el séptimo álbum de estudio de la banda británica de hard rock Deep Purple, grabado en Fráncfort del Meno y Roma en el estudio móvil de los Rolling Stones entre julio y octubre de 1972. Fue el último álbum en presentar al vocalista Ian Gillan y al bajista Roger Glover hasta su regreso en el disco Perfect Strangers en 1984.​

Aunque el sencillo «Woman From Tokyo» fue un éxito importante, el grupo no consiguió alcanzar las cotas de calidad que habían tocado en sus discos anteriores a causa de las continuas discusiones en su seno, que acabarían con la marcha de Gillan y Glover. De este modo, el disco fue duramente criticado por los entendidos musicales, y en el ámbito comercial no alcanzó las cotas previstas, a pesar de haber llegado al cuarto puesto en Gran Bretaña y al decimoquinto en los Estados Unidos.

Las únicas dos canciones grabadas en Roma fueron «Woman From Tokyo» y «Painted Horse», mientras que el resto fueron grabadas en la ciudad alemana de Fráncfort del Meno después de intercalar por medio una pequeña gira por Japón.

En el año 2000 se publicó una versión de este disco remasterizada digitalmente con varias canciones extra, entre las que se encuentra el instrumental inédito «First Day Jam». En esta canción aparece Blackmore tocando el bajo, y Lord y Paice ejerciendo sus papeles habituales. Esto fue así porque Roger Glover, el bajista original del grupo, no pudo comparecer en la sesión de grabación del tema a causa del tráfico en el que estaba inmerso.

‘Epica’ de Kamelot: una ópera rock inspirada en Goethe

El 13 de enero de 2003 se publicó Epica, el sexto álbum de estudio de la banda estadounidense de power metal sinfónico Kamelot, y el primero de su carrera concebido como un álbum conceptual o “ópera rock”. A diferencia de sus discos anteriores, Epica no fue una simple colección de canciones, sino una obra narrativa cohesionada inspirada en la tragedia Fausto del poeta alemán Johann Wolfgang von Goethe, donde se exploran temas filosóficos sobre la ambición, el amor, la redención y la eterna lucha entre el bien y el mal —una ambición poco habitual en el metal, incluso en subgéneros narrativamente potentes como el power metal.

Desde su origen, Epica fue pensado para ser más que un disco: la letra mayoritariamente fue escrita antes de componer la música, un enfoque más próximo al teatro musical o al rock progresivo que al metal tradicional, lo que permitió una narrativa más fluida y un vínculo estrecho entre texto y atmósfera. Este proyecto narrativo se traduce en personajes bien definidos —como Ariel, un buscador de la verdad basado en Fausto; Helena, símbolo de inocencia y amor puro; y Mephisto, la encarnación del engaño y la oscuridad— y en una progresión musical que acompaña los altibajos psicológicos de la trama.

Musicalmente, Epica fusiona elementos del power metal tradicional con arreglos sinfónicos, progresivos y dramáticos. Canciones como “Center of the Universe” o “Farewell” combinan riffs potentes y melodías grandiosas con atmósferas orquestadas y coros que evocan una narrativa épica, mientras que temas más introspectivos como “On the Coldest Winter Night” hacen uso de pasajes acústicos y emotivos, enriqueciendo el arco emocional del álbum. Esta mezcla de estilos y la habilidad técnica de músicos como el guitarrista Thomas Youngblood, el cantante Roy Khan —cuya versatilidad vocal va desde el registro agresivo hasta el más lírico—, y la producción por parte de Sascha Paeth y Miro, consolidan a Kamelot como un grupo que podía rivalizar con las grandes propuestas del metal sinfónico europeo.

La complejidad narrativa de Epica también marcó un hito para la banda, porque no solo abordó un mito literario clásico, sino que lo reinterpretó desde una óptica contemporánea y personal,retratando las motivaciones internas de sus protagonistas más allá de la simple referencia cultural. El álbum se convirtió en la primera parte de una historia extendida, cuyo segundo capítulo se completararía con The Black Halo en 2005, un disco que continuó la historia de Ariel y Mephisto y profundizó aún más en los dilemas del alma humana.

Epica influyó también en la escena del metal sinfónico y progresivo al demostrar que un álbum conceptual podía rivalizar en impacto con trabajos más tradicionales dentro del género. Su combinación de narrativa compleja, excelencia musical y ejecución vocal y instrumental ha llevado a muchos críticos y aficionados a considerarlo uno de los discos más importantes en la evolución del power metal del siglo XXI, y su legado persiste tanto en la discografía de Kamelot como en la de bandas que han seguido explorando estos formatos ambiciosos.

En resumen, la publicación de Epica el 13 de enero de 2003 no solo representó un lanzamiento más en la discografía de Kamelot, sino un punto de inflexión artístico que elevó su sonido y su narrativa a un plano superior, abrazando la literatura clásica y transformándola en dramatismo metalero moderno con consecuencias duraderas dentro del género.

Kreator vuelve a las raíces con Hordes of Chaos

Hordes of Chaos es el duodécimo álbum de estudio de la banda alemana de thrash metal Kreator. Ha sido descrito como su álbum más orgánico hasta la fecha porque, salvo voces, solos de guitarra y algunas melodías, el álbum fue grabado en vivo en una grabadora analógica con pocas sobregrabaciones. El líder Mille Petrozza señaló que esta era la primera vez que grababan un álbum de esta manera desde Pleasure to Kill en 1986. Describió el álbum como «combina los mejores momentos de nuestro catálogo con la intensidad y la experiencia de 2009». Hordes of Chaos también marcó la primera vez desde sus inicios que Kreator no había cambiado su alineación después de al menos dos álbumes.

El álbum fue lanzado en tres formatos diferentes. La edición estándar se publicó en un estuche y presenta las 10 pistas del álbum. Una edición de lujo incluye un DVD extra con la realización del documental del álbum. La versión LP del álbum tiene una ilustración diferente a las otras versiones.

Este fue el primer álbum de Kreator en las listas de Estados Unidos, debutando en el número 165 en la lista de Billboard 200 en los Estados Unidos, con ventas en la primera semana de aproximadamente 2.800 copias.

El álbum fue relanzado como la edición en caja ‘Ultra Riot’ a mediados de 2010. Presentaba nuevas ilustraciones, notas extendidas de Joel McIver, videos promocionales, un disco extra con pistas de demostración y versiones de canciones y varios objetos de interés (como un fotolibro, una pegatina, un póster y una tarjeta fotográfica).

Grave Digger y su remedio de heavy metal

El 13 de enero de 2017 la veterana banda alemana de heavy/power metal Grave Digger lanzó su decimoctavo álbum de estudio, Healed by Metal, una obra que combina la contundencia del metal tradicional con la energía combativa característica del grupo tras más de tres décadas de trayectoria. Este lanzamiento se produjo a través del sello Napalm Records y posicionó a Grave Digger como una de las agrupaciones más constantes y fieles a las raíces del metal en la escena europea contemporánea.

Formada en Gladbeck (Alemania) en 1980 por Chris Boltendahl y Peter Masson, Grave Digger se consolidó como una institución del metal europeo junto a bandas como Helloween, Rage o Running Wild, y desde entonces ha mantenido un estilo firme basado en riffs pesados, letras épicas y un compromiso con el espíritu combativo del género. Healed by Metal llega tras el decimoséptimo álbum Return of the Reaper (2014), que marcó la despedida del teclista H.P. Katzenburg tras muchos años en la formación.

Healed by Metal fue grabado entre junio y septiembre de 2016 en estudios alemanes como Principal Studios(Senden/Münster) y tomó forma con la producción musical a cargo de la propia banda. Con una duración aproximada de 35 minutos, el disco incluye diez canciones en su versión estándar que encapsulan la esencia del heavy metal clásico, con cortes directos, tempo enérgico y voces potentes, así como temas extra en algunas ediciones especiales.

Una de las novedades más destacadas de este álbum fue la incorporación del teclista Marcus Kniep en el papel de “The Reaper”, marcando un nuevo capítulo tras la salida de Katzenburg en 2014. Esta inclusión aportó matices distintos a la instrumentación, sin perder la contundencia ni la identidad sonora que caracteriza a la banda.

El repertorio de Healed by Metal ofrece una mezcla de himnos metaleros y temas más texturizados. El tema que da título al álbum, “Healed by Metal”, funciona como una declaración de principios: metal como fuerza curativa y liberadora para los seguidores del género. Otros cortes como “Call for War”, que recibió un lyric video promocional, “When Night Falls”, “Lawbreaker” o “Kill Ritual” muestran diferentes facetas del sonido de Grave Digger, oscilando entre el thrash melódico, el heavy tradicional y melodías que invitan al headbanging colectivo.

Si bien la crítica especializada ha señalado que Healed by Metal no representa una reinvención radical en la carrera de la banda —más bien un sólido ejercicio de su estilo clásico—, el álbum fue bien recibido por los fans por su energía directa y su fidelidad al estilo metalero que ha caracterizado a Grave Digger desde sus inicios. Esto confirma que la banda alemana sigue siendo un pilar del metal tradicional europeo después de más de 35 años de actividad continua.

Además del sello, la banda respaldó el lanzamiento con presentaciones y giras que incluyeron fechas europeas, consolidando en vivo el espíritu y la fuerza de sus nuevas composiciones. El disco también sirvió como antesala a su siguiente lanzamiento de estudio, The Living Dead, que llegó en 2018, mostrando así la continuidad creativa del grupo.

En definitiva, 13 de enero de 2017 pasó a la historia del heavy metal como la fecha en que Grave Digger reafirmó su compromiso con un sonido duro, directo y clásico con Healed by Metal, un álbum emblemático dentro de su extensa discografía y un ejemplo de la persistencia del heavy metal tradicional en pleno siglo XXI.

Nacimientos destacados:

Wayne Coyne y Daevid Allen

El día también celebra el nacimiento de influyentes músicos: el 13 de enero de 1961 nació en Pittsburgh Wayne Coyne, fundador y líder de la banda psicodélica The Flaming Lips. Su página biográfica indica que es el cantante, guitarrista y compositor principal del grupo y que su enfoque experimental ha definido la identidad de la banda. Además, el 13 de enero de 1938 vino al mundo en Melbourne el músico australiano Daevid Allen, quien cofundó Soft Machine y más tarde creó la formación franco-británica Gong. Allen fue pionero del rock progresivo y del espacio‑rock; su espíritu bohemio y sus ideas utópicas influyeron en numerosas bandas de la escena psicodélica europea.

Recordamos a Sylvain Sylvain y Tim Bogert

El 13 de enero de 2021 falleció Sylvain Sylvain, guitarrista de New York Dolls, a causa de un cáncer. Según Ultimate Classic Rock, el músico murió a los 69 años y su familia comunicó que había luchado contra la enfermedad durante dos años. Su trabajo con los New York Dolls fue fundamental para el desarrollo del glam rock y del punk, y su estilo callejero inspiró a generaciones de guitarristas. Ese mismo día se anunció también la muerte de Tim Bogert, bajista de Vanilla Fudge, Cactus y Beck, Bogert & Appice, quien falleció tras una larga batalla contra el cáncer. Bogert era conocido por su potencia y virtuosismo al bajo, y su influencia se extiende sobre el hard rock y el blues eléctrico.

Otras efemérides de interés

• 1973 – Deep Purple publica en EE. UU. su séptimo álbum, Who Do We Think We Are?, grabado en su mayor parte en Frankfurt y Roma. El disco incluía el sencillo “Woman From Tokyo” y marcó la salida temporal de Ian Gillan y Roger Glover.

• 1989 – Se celebra el primer concierto tributo a Roy Orbison tras su muerte, reuniendo a Bruce Springsteen, k.d. lang y otros artistas; el evento se registra para el especial televisivo A Black & White Night.

• 1996 – Nace Merel Bechtold, guitarrista neerlandesa que ha tocado en bandas como Delain, Mayan y Dear Mother, destacando en la escena de metal sinfónico.

• 2009 – Se publica el álbum Rabbia e tarantella de Ennio Morricone, recopilación de composiciones cinematográficas que incluye temas utilizados en películas de Quentin Tarantino.

Estas efemérides muestran cómo el 13 de enero ha sido escenario de acontecimientos que abarcan desde conciertos históricos hasta lanzamientos esenciales y nacimientos o despedidas de figuras clave del rock y el metal.

 

 

 

13 de enero de 2010, se lanza «Hordes of Chaos«, décimo segundo álbum de Kreator.

13 de enero de 2017, se publica «Healed by Metal«, el decimoctavo de estudio de Grave Digger. 

Healed by Metal es el decimoctavo álbum de estudio de la banda alemana de heavy metal Grave Digger, que fue lanzado el 13 de enero de 2017 a través de Napalm Records. Este es el primer álbum que presenta al nuevo teclista Marcus Kniep como The Reaper desde H.P. Salida de Katzenburg en 2014.

Se hizo un video con la letra de «Call for War» y un video musical para «Healed by Metal».