Canciones 10 – Quincuagésima sexta entrega
Equipo Dioses del Metal
Te traemos una nueva recopilación de las canciones que más han sonado en nuestros equipos durante estos días. Como es habitual, tienes un poco de todo, desde temas en castellano de nuestras bandas más representativas hasta himnos del metal mundial. ¿Con qué temazos te quedas de esta lista?
Este Madrid – Leño (1979) Por Crom
“Madrid, te queremos a pesar de tus defectos”
Hace 46 años, Leño irrumpía en la escena musical española con su primer álbum homónimo (1979), un hito que consolidó el rock urbano más cercano a las tribus callejeras, que luego mutaron en los heavies actuales, y lo hicieron de una forma distinta a bandas como Asfalto, enormes pero con un rock más… elegante, el de Leño era rock de la calle, conectabas con ellos, a pesar de que las letras a veces eran algo ambiguas.. Entre sus temas, «Este Madrid» destaca por su mordaz crítica social, y ecológica, hacia la capital de España, pero que luego se convierte en una declaración de amor con condiciones.
Escrita por Rosendo Mercado, Ramiro Penas y Chiqui Mariscal, la canción retrata un Madrid caótico y contaminado —«Es una mierda, este Madrid / Que ni las ratas pueden vivir»—, usando la ironía para cuestionar un desarrollo urbanístico desmedido y degradado. estrofas como «Queremos una central / Que nos suministre energía, para destruir / La mucha vegetación, que nos estorba» caricaturizan, como solo Leño sabían hacerlo, la priorización de la industrialización sobre el medio ambiente, mientras que la mención a los «antinuclear» evidencia debates de la época, como la oposición a la energía nuclear tras accidentes como el de Three Mile Island (1979).
El estribillo, funciona como grito colectivo. La aparente contradicción en «No hagas caso a esta canción, pues todo es mentira / Lo que falta es un buen bidón / De aire puro y natural, y de cerveza / De tocino, y de salchichón» subraya el sarcasmo: la solución utópica de la banda para hacer un Madrid más a nuestro gusto.
Musicalmente, «Este Madrid» encapsula la esencia del rock urbano: guitarras distorsionadas, ritmo contundente y sonido crudo, sin procesar,, grabada en apenas 70 horas. La base rítmica de Ramiro Penas (batería) y Chiqui Mariscal (bajo en la versión original del sencillo, mayo de 1978) —reemplazado luego por Tony Urbano en el álbum— imprime urgencia, mientras el riff de Rosendo, directo y sin adornos, evoca el sonido de bandas como The Ramones, pero con una identidad netamente madrileña.
Como primer sencillo de Leño, «Este Madrid» fue un manifiesto generacional. Su inclusión en el documental «Nos va la marcha» (1979), filmado en el festival Rocktiembre, capturó su energía en vivo, clave para entender su impacto. La canción, junto al álbum debut, sentó las bases de una carrera breve pero influyente, allanando el camino para éxitos como «Maneras de vivir».
Cuatro décadas después, el tema sigue resonando no solo como crítica histórica, sino como recordatorio del poder del rock para canalizar malestar social. Leño, con su honestidad brutal y sonido callejero, redefinió la escena española, y «Este Madrid» sigue siendo un himno para quienes ven en la música un arma de rebeldía.
Publicado originalmente en el álbum Leño (1979), este tema celebra 46 años como testimonio de una época y un legado que sigue inspirando al rock en español.
Artista: Leño
Álbum: Leño
Fecha de lanzamiento: 1979
Estilo: Rock Urbano
Sangre Azul – No puedo estar sin ti (1989) By Crom
“Ya no se hacen baladas así”
“No puedo estar sin ti” forma parte de El silencio de la noche (1989), el tercer y último disco de Sangre Azul, una banda que marcó un hito en la escena del hard rock español durante los años 80, y que influenció a muchas bandas de la época, sus influencias aún están presentes, 40 años después, en muchas bandas de la actualidad.
Digo en el título que ya no se hacen baladas así, y es cierto, ojo!, las hay, y muy buenas, pero tan “edulcoradas”, y que no suenen ñoñas, ya no, eran otros tiempos, es así de sencillo, ahora es más difícil expresar sentimientos de amor tan a corazón abierto. La balada combina la emotividad vocal de Tony, que poseía mucha personalidad en su voz y era perfecta para la banda, con arreglos melódicos que reflejan la esencia del hard rock de la época. Las guitarras de Carlos Raya y Juanjo Melero, junto a los teclados invitados de Miguel Ángel Collado, crean una atmósfera íntima, propia de las grandes baladas de Whitesnake o Bon Jovi. La estructura instrumental permite que la voz de Tony brille, transmitiendo cada matiz del dolor y la desesperación de la pérdida.
La letra de “No puedo estar sin ti” retrata el vacío que deja una ruptura amorosa. Frases como «En la fría oscuridad de mi jaula de cristal / no, no puedo estar sin ti» capturan la sensación de aislamiento y lo difícil que es pasar página. El coro refuerza el mensaje de vulnerabilidad: «y atrapado en esta red cada día moriré»
También destaca la injusticia implícita en el final de la relación: «te llevas tú el amor y yo la soledad», finalmente, con uan frase como «y seguiré viviendo en este infierno», cierra la canción con una nota de resignación dolorosa.
“No puedo estar sin ti” se convirtió en un momento memorable del repertorio de Sangre Azul, emotiva, íntima. Aunque la banda se separó en 1992, esta balada permanece como un clásico atemporal que sigue resonando en nuestros corazones.
Artista: Sangre Azul
Álbum: El silencio de la noche
Fecha de lanzamiento: 1989
Estilo: Hard Rock
The greatest show on earth – Tak Matsumoto group (2004) By Sikanda
No recuerdo cómo llegué a conocer a este grupo liderado por el virtuoso guitarrista Tak Matsumoto que da nombre a la banda también. Pero si me los “presentó” alguien, desde aquí se lo agradezco porque son una de esas rarezas que cuando los escucho me da un subidón de energía.
Porque al talento del guitarra nipón se suma la siempre maravillosa voz de Eric Martin, de Mr Big, y la unión es explosiva. En este proyecto también contaron con Jack Blades de Night Ranger y Brian Tichy de Lynch Mob en la batería. ¿Y qué es lo que encontramos? Pues un hard rock potente, melódico, con toques de música oriental muy bien insertados, en temas directos, no muy largos, como el que te traigo hoy, para disfrutar una y otra vez. Toda la música es de Tak, pero la letra es del propio Eric Martin, que le agradece en el disco a su compañero poder ser él mismo. Te recomiendo darle una escucha a todo el cd…pero para empezar aquí tienes un temazo.
Artista: Tak Matsumoto
Álbum: TMG I
Fecha de lanzamiento: 2004
Estilo: hard rock, metal japonés
David T. Chastain – Excursions Into Reality (1989) By Crom
“Excursions Into Reality” es una pieza instrumental que encapsula la esencia del virtuosismo a las seis cuerdas de David T. Chastain como muy pocas canciones. Originalmente lanzada en 1989 como parte del álbum Within the Heat, la canción fue remasterizada y reeditada en 2009 en la compilación Heavy Excursions. Este guitarrista, está canción, este disco… me voló la cabeza en su día, porque era una época en la que escuchaba muchos discos instrumentales, muchos guitarristas, pero Chastain rompía esquemas, proponía otro “juego” distinto dentro de este pequeño mundo, innovaba.
La composición destaca por su fusión de estilos, incorporando elementos de guitarra española que aportan una textura distintiva al tema. Esta mezcla de técnicas no solo resalta la destreza técnica de Chastain, sino que también muestra su capacidad para integrar diferentes influencias musicales en una obra coherente y envolvente, exhibiendo un repertorio inaguantable de recursos.
La estructura de la canción lleva al oyente a través de un viaje sonoro que combina pasajes melódicos con secciones de alta energía, reflejando la habilidad de Chastain para equilibrar la complejidad técnica con la musicalidad. Este enfoque ha sido comparado con el de otros guitarristas virtuosos de su época, aunque Chastain mantiene una identidad única en su estilo.
Para aquellos interesados en profundizar en la técnica detrás de “Excursions Into Reality”, existe una lección en video que desglosa la introducción de la canción, proporcionando una visión detallada de las habilidades guitarrísticas de Chastain.
En resumen, “Excursions Into Reality” es una muestra del talento y la innovación de David T. Chastain, consolidándose como una obra destacada dentro de su discografía y del género instrumental de guitarra.
Artista: David T. Chastain
Álbum: Within the Heat (1989)
Fecha de lanzamiento: 1989
Estilo: Heavy Metal instrumental con influencias neoclásicas y progresivas
Cain’s Dinasty – Errante (2025) By Crom
“La Muerte no es el final”
“Errante” es el nuevo sencillo de Cain’s Dinasty, una banda alicantina de power metal que ha decidido explorar nuevos horizontes al grabar en español. Estos temas marcan un cambio significativo en su trayectoria, alejándose de su habitual inglés, después de casi dos décadas de historia, lo cual no deja se ser flipante si conoces a la banda, que son muy jóvenes, en serio, esa temática vampiro que les acompaña, quizás sea algo más que imagen… si estoy en lo cierto, este es el sexto single que publica la formación en el idioma de Cervantes en poco más de un año y, personalmente, es mi favorito.
Comienza a todo gas con unas guitarras poderosas, pero con mucho feeling y melodía, con un solo hacia la mitad del corte que no tiene desperdicio. Es una canción que entra a la primera, muy adictiva, y por supuesto muy digna de ser estar en este olimpo de las canciones que es nuestra sección favorita de muchos de vosotros, y Rubén canta como nunca, su voz se muestra versátil y expresiva, pero capaz de cambiar de registro a guturales y darle ese aspecto oscuro que pide la canción. Como adelanto en el título, la muerte no siempre es el final, y estos “monstruos” están cansados de huir, esta noche, “cuando duerma la ciudad, una guerra habrá”. Y esa guerra puedes vivirla con la banda sobre el escenario este sábado 26, no te lo pienses!
La decisión de grabar en español no solo amplía el alcance de Cain’s Dinasty, sino que también demuestra su disposición a evolucionar y experimentar. “Errante” es una muestra de madurez artística y de la capacidad de la banda para reinventarse sin perder su esencia. Este sencillo se suma a otros lanzamientos recientes en español, como “La Bruja” y “Rompiendo las líneas de sangre”, consolidando esta nueva etapa en su carrera, que o mucho me equivoco o nos llevará a un nuevo disco de la banda, que sería el sexto de su carrera.
Puedes escuchar “Errante” en las principales plataformas de streaming y seguir a Cain’s Dinasty en sus redes sociales para estar al tanto de ja actualidad de la banda, si los conoces ya sabes lo buenos que son, si no es así, ha llegado el momento de que les des una oportunidad.
Artista: Cain’s Dinasty
Álbum: Single independiente
Fecha de lanzamiento: 18 de abril de 2025
Estilo: Power Metal
Azrael – Noche infiel (2023) By Crom
“Cuéntame los secretos de una noche infiel”
Hay canciones que no solo se escuchan, se sienten. Y Noche infiel de Azrael es una de esas. Incluida en su noveno álbum de estudio, Dimensión V (2023), esta pieza destaca por su emotividad y profundidad lírica, convirtiéndose en uno de los momentos más emotivos del disco.
Desde los primeros acordes, Noche infiel nos sumerge en una atmósfera melancólica, donde las guitarras de Enrique Rosales y Óscar Espín tejen una melodía envolvente que sirve de soporte perfecto para la voz de Rosales, quien en esta ocasión asume el rol de vocalista principal. Su interpretación, cargada de sentimiento, transmite la angustia y el arrepentimiento que emanan de la letra.
La canción se desarrolla en un crescendo emocional, donde la instrumentación va ganando intensidad a medida que avanza. La base rítmica, conformada por Juan Manuel Salas al bajo y Tino Torres a la batería, aporta solidez y dinamismo, mientras que los teclados de Zoraida Vidal añaden matices que enriquecen la composición.
Uno de los momentos más destacados llega hacia el final, cuando Rosales entona con pasión: “No pretendo ser más fuerte, en mi mente”, una frase que encapsula la vulnerabilidad y la lucha interna del protagonista de la historia. Es en este punto donde la banda alcanza su máxima expresión emocional, dejando una huella imborrable en el oyente.
Noche infiel es, sin duda, una muestra del talento compositivo y la madurez artística de Azrael, consolidando su posición como una de las bandas más destacadas del heavy metal español.
Título: Noche infiel
Álbum: Dimensión V (2023)
Fecha de lanzamiento: 2023
Estilo: Heavy Metal
Metallica – Creeping Death (1984) By Crom
“¡Die! ¡Die! ¡Die!”
Hay canciones que no solo se escuchan, se viven. “Creeping Death” es una de esas. Desde su lanzamiento en 1984 como parte del álbum Ride the Lightning, este tema, el disco entero, me voló literalmente la cabeza, cambió mis gustos, abrió mi mente, preparándola para sonidos más intensos, y ahí comencé a escuchar y disfrutar de esta y otras bandas de Thrash Metal.
Inspirada por la película Los Diez Mandamientos, la canción narra la historia de la décima plaga de Egipto desde la perspectiva del Ángel de la Muerte. Cliff Burton, al ver la representación de la plaga como una niebla letal, exclamó: “Whoa – it’s like creeping death”, y así nació el título de esta obra maestra.
Musicalmente, “Creeping Death” es una explosión de energía. El riff principal, creado por Kirk Hammett cuando tenía 16 años, es una muestra de la potencia del thrash metal. La sección intermedia, con su ominoso “¡Die!” coreado por la banda, también por el público cuando la tocan en vivo, se ha convertido en un momento icónico en sus conciertos, siendo uno de los momentos álgidos de la poderosa puesta en escena de la banda, sobre todo en sus mejores momentos… y no digo que ahora no sigan en buena forma.
La letra, cargada de referencias bíblicas, nos sumerge en una historia oscura e intensa. Frases como “Blood, running red and strong, down the Nile” o “Darkness three days long” evocan imágenes vívidas de las plagas que azotaron Egipto, mientras que “Blood, lamb’s blood painted door; I shall pass” hace alusión directa al origen de la Pascua judía.
“Creeping Death” no solo es una canción, es una experiencia. Es el ejemplo perfecto de cómo Metallica fusiona historia, música y emoción en una sola pieza. Una canción que, a pesar de los años, sigue resonando con la misma fuerza que el primer día.
Artista: Metallica
Álbum: Ride the Lightning
Fecha de lanzamiento: 1984
Género: Thrash Metal
Megadeth – Tornado of Souls (1990) By Crom
“El solo que redefinió el thrash metal”
Hay canciones que no solo se escuchan, se sienten. “Tornado of Souls” es una de esas piezas que te atrapan desde el primer riff y no te sueltan hasta el último acorde. Incluida en el álbum Rust in Peace (1990), esta canción es una muestra perfecta de la maestría musical de Megadeth y, en particular, del guitarrista Marty Friedman.
Desde el inicio, la canción despliega una energía imparable. Los riffs de Dave Mustaine y Marty Friedman se entrelazan de forma mágica, mientras la sección rítmica de David Ellefson y Nick Menza proporciona una base sólida y dinámica. No os imagináis lo que flipé verlos tocar juntos en vivo en el ’92 en Monsters of Rock en la Plaza de toros Las Ventas de Madrid, junto a Maiden, Pantera y Gun… casi nada.
La estructura de la canción es compleja, con cambios de tempo y compases que mantienen al oyente en constante alerta. Pero lo que realmente eleva a “Tornado of Souls” al estatus de obra maestra es su solo de guitarra. Marty Friedman entrega una interpretación que combina técnica, melodía y emoción de una manera que pocos han logrado. Cada nota parece cuidadosamente seleccionada para transmitir una sensación específica, y el resultado es un solo que ha sido aclamado como uno de los mejores en la historia del metal.
La letra, escrita por Dave Mustaine, aborda el dolor y la liberación que conlleva el fin de una relación tóxica. Las palabras reflejan una lucha interna y una determinación por seguir adelante, que expresa en líneas como “This morning I made the call / The one that ends it all”. Es una narrativa personal que es parte importante de que Megadeth siga conservando legiones de seguidores estos 42 años.
“Tornado of Souls” no fue lanzada como sencillo ni recibió promoción significativa en su momento, pero eso no impidió que se convirtiera en una de las canciones más queridas por muchos de los que amábamos (aún lo hacemos) a la banda. Su impacto perdura, y sigue siendo una pieza central en los conciertos de la banda.
Artista: Megadeth
Álbum: Rust in Peace
Fecha de lanzamiento: 1990
Género: Thrash Metal
Pantera – This Love (1992) By Crom
“This Love” es una de esas canciones que te atrapan desde el primer acorde y no te sueltan hasta el último. Incluida en el álbum Vulgar Display of Power (1992), esta pseudo balada brutal de Pantera es una montaña rusa de sentimientos que combina la melancolía con la agresividad más descarnada.
La canción comienza con un riff limpio y melancólico de Dimebag Darrell, creando una atmósfera intimista que contrasta con la brutalidad que se desata posteriormente. La voz de Phil Anselmo transita entre la vulnerabilidad y la furia, reflejando el dolor y la rabia de una relación tóxica. Según el propio Anselmo, la letra es un mensaje dirigido a mujeres posesivas y relaciones destructivas.
El estribillo, con su repetitivo “You keep this love”, es una descarga de emociones contenidas, mientras que la sección intermedia estalla en una explosión de riffs pesados y gritos desgarradores. La batería de Vinnie Paul y el bajo de Rex Brown proporcionan una base sólida que sostiene la intensidad del tema.
El videoclip, dirigido por Kevin Kerslake, refuerza la temática oscura de la canción, mostrando escenas de prostitución y violencia que culminan en un acto de venganza.
“This Love” es una muestra del talento de Pantera para fusionar la agresividad del metal con la profundidad emocional, creando una canción que, más de tres décadas después, sigue vigente y en forma.
Artista: Pantera
Álbum: Vulgar Display of Power
Fecha de lanzamiento: 1992
Género: Groove Metal