Parte del interés histórico del disco está en sus dos secuencias distintas: la versión británica incluye “Demon’s Eye”, mientras que la estadounidense sustituye esa pista por el single “Strange Kind of Woman”. Además del clásico homónimo, destacan “The Mule” (vehículo de solos y base para incandescentes jams en directo), la melódica “Anyone’s Daughter” (con un guiño casi country) y la monumental “Fools”, que anticipa el lirismo pesado de Machine Head. Como puente entre la fiereza de In Rock y la pegada himnótica que vendría después, Fireball ayudó a cimentar las bases del futuro heavy metal con elegancia y músculo.

En vivo, muchas de estas canciones evolucionaron hasta convertirse en auténticas demostraciones de poder de la sección rítmica Paice/Glover y del duelo órgano–guitarra entre Jon Lord y Ritchie Blackmore. El “efecto Fireball” fue doble: éxito masivo y permiso creativo para ir más allá.

La mezcla de este disco quedó a cargo de Martin Birch, sonidista habitual de la banda. Además, el sonido de esta grabación busca volver a las influencias de la banda como el folk de «Anyone’s Daughter», el blues de «No No No» y «Demon’s Eye» y la música sinfónica de «Fools». A pesar del éxito, los integrantes de Purple (a excepción de Ian Gillan y Jon Lord) no consideran a Fireball como un gran disco. Durante la fiesta de los 25 años de Deep Purple y desde la partida de Ritchie Blackmore, en 1993, la banda ha incuído varias canciones en la lista de temas que ejecutan en sus conciertos.

El grupo alemán de rock progresivo Anyone’s Daughter debe su nombre al tema homónimo presente en este disco.

Edición original de Europa

1. «Fireball» – 3:25
2. «No No No» – 6:54
3. «Demon’s Eye» – 5:19
4. «Anyone’s Daughter» – 4:43
5. «The Mule» – 5:23
6. «Fools» – 8:21
7. «No One Came» – 6:28

Músicos

• Ian Gillan – Voz y Pandereta.
• Ritchie Blackmore – Guitarra.
• Jon Lord – Teclados y Piano.
• Roger Glover – Bajo.
• Ian Paice – Batería y percusión.

El 15 de septiembre de 1997 vio la luz en Europa y Japón la gran ópera rock de Savatage, The Wake of Magellan, una obra conceptual que enlaza el lirismo teatral de la banda con una historia de mar y redención. Fue el último LP con Zak Stevens como voz principal y la culminación de la sociedad creativa entre Jon Oliva, Paul O’Neill y Robert Kinkel en su etapa más sinfónica.

El libreto entrelaza dos sucesos reales: el incidente del Maersk Dubai (estibadores que arrojaron polizones al mar en 1996) y el asesinato de la periodista Veronica Guerin en Dublín ese mismo año. Savatage traslada esas heridas a una fábula marítima donde un anciano marinero (Magellan) debate con el océano el sentido de la vida mientras se enfrenta a una tormenta y a la culpa. Musicalmente, hay piano dramático, guitarras gemelas y coros amplios: “Turns to Me”, “Complaint in the System”, “The Wake of Magellan” o “The Hourglass” exhiben un metal sinfónico poderoso, con cambios dinámicos muy cinematográficos.

Más que un simple “disco de canciones”, Magellan funciona como relato cohesionado que transita del heavy clásico al progresivo con brújula teatral. Su influencia se percibe en generaciones de bandas que abrazaron la narración épica dentro del metal sinfónico y el power con tintes orquestales.

The Wake of Magellan, un álbum conceptual basado en dos eventos de la vida real. El primero, el incidente de Maersk Dubai, ocurrió poco más de un año antes de que se lanzara el álbum, cuando el capitán y los oficiales del barco arrojaron tres polizones rumanos por la borda en medio del Atlántico. Un cuarto polizón fue salvado por las valientes acciones del contramaestre del barco, Rodolfo Miguel, quien arriesgó su propia vida para proteger al joven luego de presenciar los otros tres asesinatos. El segundo hecho se centró en la reportera irlandesa Veronica Guerin, quien murió combatiendo el crecimiento del narcotráfico en su país. Su muerte puede lograr lo que ella no pudo en vida. Estos hechos se combinan en la historia de un viejo marinero portugués, Fernão de Magalhães (Ferdinand Magellan en inglés), que ha decidido acabar con su vida navegando en su pequeño bote hacia el Atlántico hasta que se hunde. En su mente, ha idealizado esta decisión como una forma gloriosa y vikingesca de morir. Cuando los vientos del océano lo empujan hacia una gran tormenta, y él cree que su deseo está a punto de cumplirse de una manera muy dramática, de repente ve a un hombre ahogándose en el océano. En un instante se encuentra retomando todos los deseos por el abrazo de la muerte y lucha por salvar esta alma. Después de muchos giros y vueltas, puede salvar al polizón que había sido arrojado por la borda. Al regresar a la tierra, ahora se da cuenta de que no solo cada vida es preciosa, sino también cada hora de esa vida.

Publicado en Norteamérica el 15 de septiembre de 1998 (tras la edición europea de finales de agosto), The Sound of Perseverance se erige como testamento artístico de Chuck Schuldiner y su visión de un death metal técnico y progresivo. Con Richard Christy (batería), Shannon Hamm (guitarra) y Scott Clendenin (bajo), el disco llevó al límite la complejidad rítmica y la expresividad melódica del género.

Desde la agresión calculada de “Scavenger of Human Sorrow” hasta el clímax de “Spirit Crusher”, Death combinó riffs intrincados, métrica quebrada y giros armónicos que rozan el jazz fusión. El instrumental “Voice of the Soul” –pieza de guitarra clásica y acústica en mitad de la tormenta– y la versión de “Painkiller” de Judas Priest redefinieron los límites expresivos del death metal sin perder contundencia. A día de hoy, el álbum sigue citándose entre los grandes clásicos del metal de los 90.

Este álbum, en particular, emplea un estilo más inclinado al metal progresivo que otros lanzamientos previos, a pesar de que a partir de Human y los siguientes álbumes que la banda había estado desarrollando, más hacia este estilo. El promedio de duración de las canciones de este disco es de alrededor de seis minutos. Además, fue un álbum que le abrió paso al baterista y luego estrella de radio Richard Christy, en la tradición de los bateristas anteriores como Gene Hoglan y Sean Reinert.​

El álbum incluye «Voice of the Soul», un tema instrumental, que contrasta con todos los otros trabajos de la banda en su inclusión de guitarras suaves y la falta de percusión. En una entrevista realizada en marzo de 1999, Chuck Schuldiner dijo que «Voice of the Soul» en realidad fue escrita durante las sesiones de Symbolic. Death solamente ha producido dos canciones instrumentales (la otra es considerablemente pesada «Cosmic Sea» de Human). El álbum también incluyó un cover de Judas Priest («Painkiller«), lo que demuestra que Schuldiner intenta una manera diferente de tono alto, estilo de «death growl» recordando más a la voz original de Rob Halford y además, canta por primera vez con una voz limpia hacia el final de la canción.​

Editado el 15 de septiembre de 2009 en EE. UU., Endgame supuso la confirmación del segundo gran ciclo de Megadeth: más técnico, más rápido y con un enfoque de producción moderno. Fue el debut de Chris Broderick a la guitarra solista, con Shawn Drover (batería) y James LoMenzo (bajo) completando la alineación (Dave Ellefson regresaría en 2010). Andy Sneap firmó una mezcla afilada y contundente.

Canciones como “Head Crusher” (nominada al Grammy), “1,320’” o “This Day We Fight!” recogen la escuela thrash clásica de Mustaine y la cruzan con precisión quirúrgica en arreglos y solos. Comercialmente, el disco debutó Top 10 en Billboard 200 y vendió de inicio decenas de miles de copias en EE. UU., mientras que la crítica lo saludó como un “return to form” que devolvía a Megadeth la fiereza sin perder melodía.

A finales del 2008, Dave Mustaine declaró que Megadeth trabajaba en el álbum y que serían 13 temas, más un instrumental. El álbum es rápido, es pesado, me oirán cantando, gritando, hablando… declaró Mustaine. Este también sería el primer álbum de Megadeth junto a Chris Broderick desde la salida de Glen Drover. Según declaraciones del mismo Dave Mustaine el álbum es muy rápido y pesado y con grandes solos. También declaró, que es el mejor disco editado hasta la fecha desde Rust In Peace editado en 1990. El 19 de mayo de 2009 Megadeth terminó de grabar el disco. El 10 de septiembre en la página de MySpace se puso el disco completo y el 11 de septiembre se lanzó el vídeo del primer sencillo «Head Crusher«. El tema «Head Crusher«, fue nominado al premio Grammy en la categoría ‘Mejor Interpretación de Metal’. Esta es el octavo nombramiento de Megadeth en diecinueve años de carrera. La canción This Day We Fight! aparece en el juego Guitar Hero: Warriors of Rock.

Se lanzó un adelanto del sencillo «Head Crusher» la cual habla sobre un método de ejecución usado en la Edad Media. Canción la cual se puede descargar desde el sitio de Roadrunner Records. La canción fue tocada por primera vez en el Canadian Carnage tour en Toronto, Canadá (24 de junio de 2009).

También fue lanzado como segundo corte de difusión de la canción «1,320′», canción que habla de velocidad, nitro y una carrera. La canción lanzada exclusivamente para miembros del Megadeth Fanclub, más tarde fue puesto a la emisión y descarga en la página web Roadrunner Records.

Un video de «The Right to go Insane» (Basado en la historia de Shawn Nelson, un hombre americano que robó un tanque de guerra de una base militar y lo condujo por las calles) fue lanzado en abril de 2010, convirtiéndose en el primer video con David Ellefson desde su regreso a la banda, la banda interpretó la canción en vivo en Austin, TX el 26 de marzo durante su gira de aniversario de Rust In Peace.