Hoy se cumplen años de grandes vocalistas y se celebran lanzamientos que han marcado tanto el heavy metal europeo como el power metal neoclásico y los proyectos más ambiciosos del metal progresivo: nacieron Mark Boals y Jack Russell, y se publicaron discos como Balls to the Wall de Accept, Malefic Time: Apocalypse de Avalanch y Spellbound de Yngwie Malmsteen. Además, recordamos la llegada al mundo del batería Van Williams, así como otros lanzamientos y hechos que completan un día muy prolífico para el rock y el metal.
Nacimientos destacados
1958 – Mark Boals
Mark Robert Boals (nacido el 5 de diciembre de 1958) es un cantautor estadounidense de la banda Foundry. Es un vocalista de heavy metal y bajista ocasional, mejor conocido por su voz con Yngwie Malmsteen. Su primer álbum con Malmsteen, Trilogy alcanzó el estado de platino en los Estados Unidos y vendió varios millones de copias en todo el mundo. De niño, aprendió a tocar el piano y el bajo. Aunque Boals nunca ha tenido lecciones o entrenamiento vocal, en su adolescencia ganó experiencia como vocalista en grupos locales. Boals es el fundador y vocalista de la banda Ring of Fire, y tuvo un breve período como bajista de Dokken. Actualmente interpreta la voz principal, la guitarra y el bajo en el exitoso programa musical Raiding the Rock Vault en Las Vegas.
En 1982, Boals se unió a Savoy Brown y realizó una gira por Canadá y los Estados Unidos hasta 1983. 
Aunque se escribieron varias canciones para un nuevo álbum propuesto, el disco nunca se materializó debido a que el actor principal Kim Simmonds tuvo problemas legales en ese momento. Durante estos años, Boals también actuó con su banda Lazer.
Mientras estaba con Savoy Brown, Boals conoció a Ted Nugent y se unió a su banda como bajista en 1984, de gira por los Estados Unidos y se abrió para Judas Priest en Europa. Decidiendo centrarse en cantar y ser un líder, Boals se mudó a California en 1985. Se unió a Rising Force de Yngwie Malmsteen y actuó en el álbum Trilogy. El primer show de Boals con Malmsteen fue en Day on the Green en San Francisco, CA, frente a 80,000 fanáticos. Después de dejar Yngwie en 1986, dejó la música por un tiempo, tratando de encontrarse en la cinematografía y trabajando para Warner Brothers. En este período grabó, con Mike Slamer, la banda sonora de la película White Water Summer (1987); también apareció en «Paganini’s Last Stand» (Priority Records) del maestro Alex Gregory en 1992.
La siguiente aventura de Boals fue Billionaires Boys Club, un supergrupo de corta duración con el ex guitarrista de Accept Jörg Fischer, el futuro bajista de HammerFall Magnus Rosén y el ex compañero de banda de Yngwie Malmsteen, el baterista Anders Johansson. El único álbum del grupo, Something Wicked Comes, fue lanzado en Polydor Records en 1993.
Luego, en 1996, Yngwie Malmsteen llamó a Boals y le preguntó si quería actuar en varias canciones del álbum de versiones Inspiration. Boals aceptó y retomó su papel como vocalista con Yngwie Malmsteen para el álbum Alchemy. Posteriormente, la banda se fue de gira.
En marzo de 2000, Boals ganó el premio vocalista número uno en las revistas de música japonesa Burrn! y Guitarra Joven. A finales de ese año, el mismo día, se lanzó su segundo CD en solitario, titulado Ring Of Fire y War To End All Wars de Yngwie Malmsteen, con Boals en la voz. Sin embargo, después de muchos años de magia musical y amistad, el equipo de Malmsteen y Boals había decidido moverse en diferentes direcciones, y Boals formó una nueva banda, Ring of Fire, que lleva el nombre de su álbum en solitario. A principios de este año, Ring of Fire grabó su siguiente álbum debut The Oracle en los estudios George Bellas de Chicago. Junto a Boals estaban George Bellas, Vitalij Kuprij, Virgil Donati y Philip Bynoe.
1960 – Jack Russell
Jack Russell (Montebello, 5 de diciembre de 1960-California, 15 de agosto de 2024)1 fue un cantante de rock estadounidense. Fue uno de los fundadores de la banda Great White. Sus primeras influencias fueron los vocalistas Robert Plant y Steven Tyler. Fundó la banda Dante Fox luego de conocer al guitarrista Mark Kendall en un concierto, lo que sería la primera versión de Great White. Debido a problemas legales con sus antiguos compañeros, Jack formó la agrupación Jack Russell’s Great White, con la que gira regularmente por los Estados Unidos.
Russell nació en Montebello, California. Creció con influencias como 
Robert Plant y Steven Tyler, y se convirtió en vocalista de muchas bandas en la escuela secundaria y más tarde. Conoció a Mark Kendall en un concierto y comenzó a planear formar una banda llamada Dante Fox. El manager de la banda Alan Niven y Kendall decidieron cambiar el nombre de la banda a Great White porque «ese era el apodo de Mark Kendall. Tenía el pelo muy blanco y la tez muy clara. Lo llamaban The Great White». La ascendencia de Russell es inglesa, irlandesa y nativa americana.
Russell estuvo con Great White de 1981 a 1996, luego se tomó 3 años para grabar y lanzar su primer álbum en solitario, titulado Shelter Me, y luego se reincorporó en 1999 hasta que la banda se separó en 2001. Luego intentó hacer una gira en solitario bajo su propio nombre brevemente. , luego cambió el nombre de la banda a «Jack Russell’s Great White» y realizó una gira de 2002 a 2005 y también lanzó un segundo álbum en solitario titulado For You en 2002.
«Jack Russell’s Great White» era el nombre oficial de la banda que actuó en el incendio del club nocturno The Station en 2003, no bajo el apodo oficial de «Great White».
En 2006 comenzó a hacer giras con la banda oficial Great White cuando se reformaron con su formación clásica, luego abandonaron la banda en 2009 debido a una caída en su baño donde se fracturó dos vértebras y se hizo una hernia de disco. Tuvo múltiples cirugías de espalda y estaba usando una gran cantidad de analgésicos. Junto con el alcoholismo, la muerte de su buena amiga, la cantante de Warrant, Jani Lane, lo impulsó a buscar ayuda y volverse sobrio.
El 25 de marzo de 2011, Russell se casó con su novia Heather Ann Kramer.
Completamente recuperado, comenzó a hacer giras nuevamente como «Jack Russell’s Great White» en diciembre de 2011 para evitar confusiones con la banda oficial Great White que aún estaba de gira y que había continuado en 2009 con un cantante diferente después de la partida de Russell.
En 2012, Russell actuó como estrella invitada en VH1 Classics «That Metal Show», donde reveló su versión de la historia de Great White, y cómo se sentía bien y listo para más.
En 2017, Jack Russells Great White lanzó su primer álbum titulado «He Saw It Comin’ «
El 17 de julio de 2024, Jack Russell anunció que se retiraba de las giras y reveló que se le había diagnosticado demencia con cuerpos de Lewy.
Jack Russell falleció el 7 de agosto de 2024 a la edad de 63 años en casa de un familiar en el sur de California, por complicaciones de la demencia de cuerpos de Lewy y atrofia del sistema muscular.
1966 – Van Williams
Otro músico que sopla velas este día es el batería Van Williams, nacido el 5 de diciembre de 1966 en Nueva York. Conocido principalmente por su trabajo con la banda de metal progresivo Nevermore, Williams aportó una técnica precisa y una pegada contundente que ayudaron a definir el sonido oscuro del grupo en discos como Dreaming Neon Black y Dead Heart in a Dead World Tras la disolución de Nevermore en 2011, cofundó Ghost Ship Octavius, proyecto en el que sigue explorando el metal melódico.
Lanzamientos emblemáticos
1983 – Balls to the Wall de Accept
Balls to the Wall es el quinto álbum de estudio de la banda alemana de heavy metal Accept, publicado en 1983 por RCA Records para el mercado europeo y al año siguiente en los Estados Unidos por el sello Portrait. Es su primer disco que llamó la atención de los mercados norteamericanos y se convirtió en uno de los más vendidos de su carrera, debido a que es el único que ha sido certificado con disco de oro en los Estados Unidos y Canadá.
Tras su lanzamiento generó algunas controversias en algunos países, principalmente por el mensaje de ciertas canciones referidas a la homosexualidad y la represión política, como también por su sugerente portada. Aun así, recibió buenas reseñas de la crítica que lo posicionan como uno de los álbumes más vendidos de su carrera.
Luego que se puso a la venta generó algunas controversias en los Estados Unidos por su sugerente portada y su título, así como también por las letras de «London Leatherboys» y «Love Child», que significó que la crítica y los distribuidores de música de aquel entonces lo tildaran como un disco homoerótico y homosexual. En cierta medida, dicha controversia generó una buena publicidad en dicho país y ante ello el guitarrista Wolf Hoffmann comentó en una entrevista: «Ustedes los estadounidenses son tan tenso ante eso. En Europa nunca fue un gran problema… queríamos ser controvertidos, diferentes y tocar estos temas delicados, porque nos dio prensa y funcionó maravillosamente».
Al respecto, el baterista Stefan Kaufmann explicó que muchos de los temas del disco tratan sobre las minorías oprimidas en general. «London Leatherboys» trata sobre los clubes de moteros: «Son gente normal, que solo se ven diferentes y se comportan de manera distinta, pero son gente normal, otra minoría más. Y «Love Child» trata sobre los gays, es verdad, pero se trata básicamente de personas que son oprimidas». Por aquellos años el tema de la homosexualidad era prácticamente un tabú, que generaba cierta oposición en la gente y 
en la industria musical. En una entrevista realizada por la revista francesa Enfer a Kauffmann, sobre por qué incluir estos temas en sus canciones comentó: «Es un fenómeno que debe ser considerado. Debido a que existe en una amplia escala y debe ser desmitificado…Durante mucho tiempo estas personas han sido consideradas como enfermas o locas. Sin embargo, es el momento de respetar a estas personas, abrir nuestras mentes que a menudo están cerradas».
Balls to the Wall marcó un antes y un después en la carrera de Accept, ya que logró muy buenas reseñas de la crítica como también una buena acogida en los mercados mundiales, superando así lo conseguido con sus anteriores producciones. Eduardo Rivadavia de Allmusic lo consideró como su disco más notorio y su mayor éxito comercial. Además, mencionó que era más melódico y menos potente que su antecesor, pero que en esencia es un álbum de heavy metal. Con respecto a su canción homónima dijo que era una obra maestra irresistible. El crítico canadiense Martin Popoff consideró que la complejidad de las letras combinadas con los riffs limpios y sobrios, le dan al disco una sutil sofisticación y un propósito singular. En una de las listas realizadas por el canadiense situó a Balls to the Wall en el primer lugar de los 100 mejores álbumes de metal de la década de 1980. Pierre Bégin de la revista en línea The Metal Crypt lo tildó de obra maestra y como un disco simplemente de heavy metal puro. Además, comentó que cuando HammerFall comenzó a grabar Renegade de 2000 con la ayuda de Michael Wagener, estaban inspirados en Balls to the Wall.
Os dejamos una reseña nuestra:
05 de diciembre de 1996, se lanza el segundo álbum de estudio de Mägo de Oz «Jesús de Chamberí«.
Jesús de Chamberí es el segundo álbum de estudio de la banda Mägo de Oz.
Este álbum fue lanzado con su nueva discográfica Locomotive Music, y con dos nuevos integrantes: José Andrëa como vocalista y Frank en la guitarra rítmica.
Este disco sería una ópera rock, donde nos contarían la historia una segunda venida de Jesús al mundo, convirtiéndose así en el primer álbum conceptual de la banda. En este se ve el comienzo de la tendencia de la banda a criticar duramente a la Iglesia Católica.
Este álbum les ayudo a conseguir más fama en España, conteniendo famosas canciones como: Jesús de Chamberí, Hasta que tu Muerte nos Separe, El Cantar de la Luna Oscura, El Fin del Camino, entre otras.
Introducción:
La historia ambientada a finales del siglo XX, 
en la Villa y corte de Madrid, narra la segunda venida de a la Tierra de Jesús de Chamberí, el cual es enviado a este madrileño barrio, para actualizar el mensaje que ya diera siglos atrás y para devolver al pueblo lo que la mafiosa Iglesia Católica, en nombre de su padre había robado y prostituido: su Palabra.
Jesús se presenta así mismo, como un hombre de barrio y a través de distintos personajes e historias, nos hablará de temas tan actuales como el SIDA, el racismo, la política, el sexo, los insumisos,… y rodeado de inmigrantes, prostitutas y vagabundos; nos enseñará a amar la libertad y la tolerancia, proclamándose -Jesús de Chamberí- «Rey de los oprimidos»…
Esta historia ficticia esta hecha con el máximo respeto a las creencias interiores de cada persona, pero es un ataca visceral, a cualquier forma de represión y totalitarismo, de las que hace siglos todas las religiones han gustado tanto de utilizar para su provecho. Esta Ópera Rock, no es si no fruto de 3 largos años de duro trabajo de seis locos que aún creen en lo que hacen. ¡¡Disfrútalo!!
Génesis: Y el verbo se hizo carne y habitó entre nosotros, y el verbo era Dios, y no bastando con su primera venida, regresó.
Jesús de Chamberí: Jesús se encarna en la figura de un mendigo del madrileño barrio de Chamberí, y enuncia su mensaje.
El ángel caído: Satanás es la imagen que devuelve el espejo, al mirarse Jesús en él. Es el lado oscuro que cada hombre quiere esconder.
Al-Mejandría: Primera tentación de Jesús de Chamberí. Satanás le muestra los placeres y riquezas del reino de Al-Mejandría (un país más abajo del ombligo).
El Cuco y la Zíngara: Representa la lucha interior de Jesús. La melodía del violín expresa el baile de una gitana, y la parte central del tema (el cuco), encarna el sexo.
Hasta que tu Muerte nos Separe: Mediante esta parábola, Jesús enseña a sus discípulos que lo importante es el amor, esté o no institucionalizado (entre hombres, entre mujeres, o entre hombres y mujeres). Puedes acogerte al sagrado matrimonio «como Dios manda»…
La Canción de Pedro: En el metro de Argüelles, Pedro, un exobispo vagabundo, se gana la vida tocando el acordeón. Él será el elegido por Jesús para establecer un nuevo orden de revolución.
Domingo de Gramos: Primera aparición pública de Jesús en la Plaza del Dos de mayo, que tendrá como consecuencia las primeras reacciones en su contra, dado lo polémico de su mensaje.
Jiga Irlandesa: Al término del sermón, y antes de que la policía del señor Manzano, alcalde de la Villa y Corte de Madrid, disolviera por la fuerza esta reunión, un grupo de músicos, que se ganan las perras en el metro, entonan esta canción popular irlandesa.
El Cantar de la Luna Oscura: Sexo, prostitución y drogas han llevado a María Magdalena a su particular cruz: sida.
Judas: Desde el Vaticano prefieren que los jóvenes mueran de sida antes que utilizar el «demoniaco» condón. Su estúpido machismo niega a la mujer el sacerdocio; y el oro de sus iglesias y sus vírgenes, no sirven para alimentar bocas. Pero eso sí, Juanito duerme tranquilo.
La Última Cena: Cuando se desclasifiquen los papeles del CESID, os podremos dar más información de quién mató a Jesús de Chamberí.
Czardas: Representa todas las persecuciones que sufrieron los discípulos, y los motines en las cárceles de Carabanchel y Alcalá Meco, al enterarse del asesinato del único que les tendió su mano.
El Fin del Camino: Antes de enterrarle en un nicho anónimo, Jesús intenta hablar desde el ataúd a su compañera, y comienza a dudar de su fe. Mientras, todo sigue igual…
2011 – Malefic Time: Apocalypse de Avalanch
Aquella jornada de diciembre de 2011 marcó un giro arriesgado en la trayectoria de Avalanch. El 5 de diciembre vio la luz “Malefic Time: Apocalypse”, su noveno álbum de estudio, en un formato doblemente ambicioso: no era simplemente un disco más, sino la banda sonora musical de un universo de fantasía y profecías apocalípticas diseñado por los ilustradores Luis Royo y Rómulo Royo.
Avalanch, dirigidos por el guitarrista y compositor principal Alberto Rionda y con el vocalista Ramón Lage al frente, entregaron en este álbum un compendio de 13 canciones que mezclan diferentes estilos —metal progresivo, power metal, tintes oscuros e incluso guiños atmosféricos— con la intención de encajar con ese cómic-álbum. Los temas incluyeron títulos como “Baal”, “New York Stoner”, “Marduk” o “Lilith”, piezas que se mueven entre lo melódico, lo crudo y lo épico.
Este fue el primer —y hasta ahora único— álbum de Avalanch cantado íntegramente en inglés, lo que representó un paso estratégico con intención internacional. La decisión, junto a otros factores (argumento literario, estética de cómic, portada impactante), buscaba ampliar el horizonte de la banda más allá del mercado español.
En la presentación del proyecto, los responsables hablaron de un “pack coleccionista” disponible desde el 5 de diciembre: libro de ilustraciones, CD, DVD, póster, material gráfico… Todo pensado para dar forma a un universo completo, tal como se había concebido. Nadie que se acercara al disco por curiosidad iba a recibir solo música, sino una experiencia multiformato.
Musicalmente, el álbum se aleja un poco del estilo más clásico o melódico de trabajos anteriores como “El ladrón de sueños”, optando por una aproximación más agresiva y diversa: hay canciones potentes, oscuras, de corte dramático, otras con riffs metálicos y pasajes atmosféricos, creando un clima inquietante y cinematográfico —ideal para acompañar la historia del cómic.
Para la banda, “Malefic Time: Apocalypse” representó un salto de ambición, tanto en producción como en creatividad. Fue su apuesta más arriesgada hasta ese momento: fusionar metal, narrativa ilustrada, ciencia-ficción y fantasía en un solo paquete. A pesar de lo polarizante que suele ser mezclar música con cómic y conceptos visuales, el proyecto logró dejar huella en la escena del metal nacional.
🎸 5 de diciembre de 2012 – Yngwie Malmsteen publica Spellbound
El 5 de diciembre de 2012, Yngwie Malmsteen sacó a la luz Spellbound, su álbum número 19, bajo su propio sello independiente Rising Force Records.
Este disco es especial porque Malmsteen decidió asumir todas las tareas: guitarra, bajo, teclados, batería, voces e incluso la producción, mezcla y masterización. Sí: todo. Es un esfuerzo completamente solista, una declaración de independencia creativa que él mismo había dejado caer cuando su anterior vocalista fijó otros compromisos.
En cuanto a estilo, Spellbound vuelve a lo que hace grande a Malmsteen: un metal neoclásico lleno de velocidad, arpegios imposibles, fugas reminiscentes de compositores barrocos y solos de guitarra propios de un virtuoso que no necesita banda. El álbum contiene 13 temas, de los cuales 10 son instrumentales, y 3 incluyen voces — algo poco habitual en su carrera tardía.
Las canciones instrumentales destacan por su virtuosismo e intensidad: desde la pieza titular “Spellbound”, con su riff furioso, hasta la monumental suite “Majestic 12 Suite I, II & III”, prolongada, compleja, casi orquestal — un ejemplo claro de su ambición técnica.
No faltan toques de variedad: temas como “Iron Blues” incorporan guiños al blues, mientras “Turbo Amadeus” demuestra su afición por lo clásico, tomando prestados motivos de Mozart, en una mezcla entre metal, virtuosismo y referencias cultas.
En lo técnico, el disco fue grabado en su estudio personal en Miami. Compartió labores de ingeniería y mezcla con el técnico Keith Rose, pero la creatividad, los arreglos y la ejecución corrieron íntegramente por su cuenta. Eso le dio libertad absoluta, aunque también convirtió el disco en un reto duro: cargar con todos los instrumentos y las voces no es tarea fácil ni habitual.
La crítica y el público reaccionaron con mezcla de admiración y reservas. Muchos valoraron la destreza técnica y lo que representa en su discografía: un Malmsteen que no depende de nadie más. Pero también hubo críticas: la producción —guitarras predominantes, mezcla pesada—, la voz poco potente y cierta repetitividad en las composiciones hicieron que para algunos el disco sonara más como un ejercicio de virtuosismo que como un trabajo inspirado.
Para Malmsteen, Spellbound simboliza otra etapa en solitario —algo que ya viene de décadas atrás—, y que evidencia su empeño por mantener su estilo, incluso si eso significa ir contracorriente del mercado comercial. No hay colaboraciones, no hay invitados, no hay medias tintas. Es él y su guitarra.
Qué representa
El 5 de diciembre de 2012 el guitarrista sueco lanzó Spellbound, su decimonoveno álbum de estudio. Fue editado a través de su sello independiente, Rising Force Records, reafirmando su independencia artística.
Obra personal al 100 %
En Spellbound, Malmsteen asumió todas las facetas: guitarras, bajo, teclados, batería programada, e incluso las voces. Además compuso, arregló, produjo, mezcló y masterizó el disco él solo — algo poco habitual en un artista de su calibre en plena carrera.
Estilo y estructura musical
El álbum se inscribe en su estilo neoclásico-metal: arpegios rápidos, fugas, solos virtuosos y composiciones técnicamente complejas. Contiene 13 canciones; diez son instrumentales y tres incluyen voz. Entre los temas destacan la épica suite “Majestic 12 Suite 1,2 & 3”, la instrumental y vertiginosa “Spellbound”, “Iron Blues” con aroma más blues-rock y “Turbo Amadeus”, una mezcla de metal y pinceladas clásicas.
Grabación y diseño
El trabajo fue realizado en su estudio personal. La portada del disco —que puedes ver arriba— transmite claramente esa atmósfera mística y poderosa: Malmsteen aparece con su guitarra recibiendo un rayo, en un entorno que evoca tormenta, espacio y cataclismo, reflejando la intensidad del contenido musical.
Recepción y sensaciones
La reacción fue un tanto polarizada. Muchos alabaron la destreza técnica innegable, los solos y composiciones neoclásicas —un Yngwie en modo “virtuoso absoluto”—. Pero hubo reservas: la batería programada, la mezcla algo desequilibrada y la sensación de que algunas ideas eran variaciones de fórmulas anteriores. En definitiva: un disco para fans del «shred» más exigente.
Legado y significado
Spellbound representa a Malmsteen en modo totalmente libre: sin banda, sin compromisos discográficos, sin concesiones. Un ejercicio de estilo demoledor, una demostración de que el metal neoclásico —aunque minoritario— todavía puede expresarse con absoluta pureza técnica y personalidad creativa. Para muchos, un álbum que resume su devoción por la guitarra, la composición clásica y el heavy metal.
Otros acontecimientos relevantes
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2014 – Cruachan edita Blood for the Blood God: la banda irlandesa de folk metal lanzó su séptimo álbum de estudio, combinando elementos de música tradicional celta y metal extremo.
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2014 – Blind Guardian publica el single “Twilight of the Gods”: adelanto del álbum Beyond the Red Mirror, recuperaba la épica power metal de los alemanes.
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2012 – Primal Fear lanza el sencillo “Bad Guys Wear Black”: un himno de heavy metal que anticipaba su disco Unbreakable
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2005 – Ozzy Osbourne estrena el single “In My Life”: versión metalera del clásico de The Beatles.